羅斯馬利·蒂茜直到現在83歲，仍在為城市設計付出心力。
如果用瑞士風格來定義她的作品，未免不夠全面，因為她的作品大多過于抽象，但她的作品也非常的瑞士化，不會被誤認為是其他風格。
從海報到鈔票，從教科書到字體，從標志到完整的視覺識別，她的作品跨越了無數領域，至今仍是世界各地設計師們的靈感來源。
年輕時的羅斯馬利·蒂茜
羅斯馬利·蒂茜 （Rosmarie Tissi）1937年出生于瑞士蘇黎世，畢業于蘇黎世應用藝術學院后，就職于瑞士著名設計公司Odermatt，工作四年后成立了工作室O&T。
作為一名女性設計師，直到83歲她仍致力在設計城市創新領域付出著。
“我的設計總是精雕細琢，只運用少數元素，玩弄比例和空隙。”
Tissi從小就對化學很著迷，但她的個人發明卻在紙上進行。在蘇黎世應用藝術學院畢業后，她加入了一家設計咨詢公司，但這份工作并沒有提供太多的創意挑戰。
所以她開始另外尋找新的地方，于是就這樣她遇上了Sigi Odermatt。
當時，她以大膽的風格和對設計規則提出質疑，在業界開始了聲望。她開創了具有自己個人的新鮮的視覺效果、獨特的比例和非教條式的思維。
她有次受訪時聊到：“我自己的風格本身并不是目的，我的作品專注在客戶的目標，也專注于觀眾的審美趨向。”
成為AGI與ADC的會員后，開始在世界各地舉辦展覽和演講。
聯邦授予Tissi瑞士設計大獎，以表彰她的工作和事業的重要性，以及對女性平面設計師的開創性影響，為20世紀平面設計史投入卓越的貢獻。
在美國與日本眾多藏品博物館中，都有她的代表作。
“用玩樂的方式、對強烈的色彩對比、字體和幾何形狀是她的熱愛也是標志”
Tissi的風格在她的職業生涯中一直在演變：從基于現代主義網格規范的純粹功能性，到生動的色彩、奇特的比例和實驗性的布局，都能看到她非常個性化的設計。
她讓字母互相翻轉，并通過玩轉字母之間的正負空間，來創造字母形象。
后來，她創造了自己的字體《Mindanao》，以折疊紙制作的字母為基礎，強調字體的物理關系。
六十幾年來，她的作品的新鮮感與原創性仍然不減，雖然頭發已白，她仍然在她的設計領域為創新付出著。
當你沒有靈感時，不妨看看Tissi用玩樂的方式、對強烈的色彩對比、字體和幾何形狀的設計作品，相信很快就能勾勒出自己的新想法！
Tissi說：“我從不拒絕任何工作，但我也致力于尋找更有意思的工作觀點。”
原文：設計IN臺灣
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大黑大悟作為日本年輕設計師中的黑馬，設計眼光可以用“老辣”來形容。單看他的名字就有一種大徹大悟的感覺，好像天生就具有一種洞悉本質的能力。
大黑大悟認為，“簡約設計是一種找出本質的能力，而不單單是一種表現外觀的視覺技術。也就是說，要做到簡約的設計，必須要在設計過程中勇于摒棄多余的、次要的元素，依靠自身審美去選取真正重要的要素。”
大黑大悟還認為，設計不需要滔滔不絕地表述，而是要創造一個契機，通過一個點去引發別人的興趣，是一種更具挑戰性的方法。
大黑大悟還認為，重要的不是點子，而是最后的畫面是否令人愉悅。即使列出100個正確的道理，卻不能好好表達，反而會給事物蒙上一層陰影，變得更難看清。
所以做設計就是：既要懂邏輯，又要有方法，既要有方法，還要會表達。做設計太難了。
大黑大悟1979年出生于日本廣島縣，很小的時候母親陪著他閱讀了大量的圖畫書，書中豐富多彩的世界對他的影響很深，大黑大悟覺得那就是他的平面設計啟蒙。
除了母親的功勞之外，大黑大悟還有一種與生俱來的好奇心。
學生時期的大黑大悟經歷過一次印象最深刻的旅行，為了滿足對這個世界的好奇心，他第一次自己坐著電車在日本漫無目的地游蕩，逼迫自己主動跟身邊的乘客尬聊，這種好奇與緊張交雜的感覺至今令他記憶猶新。
大黑大悟認為，對于大部分人來說，好奇心常有，但是緊張感是只有新手才會有的感覺，隨著經驗的增加緊張感會消失，而隨之消失的還有對事物的敏銳。
△ 金澤美術工藝大學
大學時期大黑大悟就讀于金澤美術工藝大學，他從同學那里得知了日本設計中心的存在，并立志要進入這家公司，2003年畢業后，大黑大悟順利進入了日本設計中心原研哉設計研究所，8年后創立了自己的大黑設計研究室。
2009年至2012年，大黑大悟擔任了無印良品全球圣誕活動的藝術總監。每到圣誕節的時候，都會走一波活動。
上面的海報都是由100個真人演員協助拍攝制作的。2009年，大黑邀請了這100人穿上統一的紅色服裝，跟著音樂的節奏不斷變換位置，組成各種圖片和字母的形狀，傳達出圣誕節的溫暖與樂趣。
小圖有點密集恐懼癥，但如果在學生時期你有在運動會上表演過團體舞，那應該對這種形式有更深的理解。
2010年，大黑使用了與圣誕氣質很相配的蠟燭來營造圣誕氛圍，從圖片中燭光搖曳形成的斑駁感，應該能看得出，這些蠟燭都是真實拍攝的。不僅如此，大黑大悟還運用大量的拍攝制作了一支定格動畫，拍攝如此大規模的蠟燭難度是可想而知的，畢竟它們會滅。
我截取了視頻中的一個片段做成了上面的動圖，原視頻中動畫是緊扣音樂節奏的，場面極度歡樂。文章最后我會附上工作室的鏈接，有條件的強烈推薦看一下，媽媽會問你為什么跪著看視頻。
看到上面這個海報，你的腦中會不自覺地響起粉筆在黑板上寫字的聲音么？當然，我指的是悅耳的那一種。2011年，大黑大悟使用了聲音這個概念，他將無印良品的產品在使用過程中發出的聲音清晰地記錄下來，類似于近幾年大火的ASMR，并剪輯成一條節奏感極強的視頻，看過之后只能用四個字形容——引起舒適。
因為這一年的主題是“市場”，用這個方法既展示了自家的產品，又通過歡快的合奏烘托了圣誕的氣氛，同時也將一種令人愉悅的生活方式傳達給你。
這個項目是大黑大悟最受關注的設計之一，在這個案例中你能夠感受到最典型的日式美學。
椿山莊建于明治時代，是日本著名的歷史保護公園。園中的歷史性建筑“三重塔”在2011至2012年迎來了百年一遇的修繕，并邀請了大黑大悟為開工典禮做視覺設計。
大黑大悟用高度凝練的三個紅色圖形概括出了三重塔的視覺特征，除此之外沒有任何藻飾，干凈利落，頗有禪意。版面中的空白是留給你的空間，你可以以任何方式去解讀，就像是佛教中的一片葉子。
書中使用精細的線圖和文字，用最簡潔的方式讓讀者能夠純粹地欣賞寶塔的結構之美。
一年后的落成典禮，佛魂被請回三重塔，此時三重塔的符號由紅色轉為金色，象征著三重塔“金身重塑”，而所有宣傳品的配色也由黑紅轉為黑金，使整個項目從開始到結束有著一脈相承的延續感。
此外，伴隨三重塔的翻修完成，大黑大悟還制作了兩本書籍《椿》和《歷史》，詳細介紹了椿山莊的歷史、文化與自然。這套“椿山莊三重塔視覺形象設計”將簡潔與雅致發揮到了極致，很好地展現了日式美學的追求，令人過目難忘。
武藏野美術大學是日本排名前三的藝術類高校，每一年都會發布海報等各類宣傳品。從2011年起，大黑大悟開始擔任這一項活動的藝術總監，發布了一系列廣受好評的作品。還記得前文大黑表達過的觀點么？“設計要傳達文字所不能表達的意思”，這個案例就是一個很好的體現。
以上是2012-2014年的海報，這三組海報的主題分別是“擴散”、“凝聚”和“融合”。這三個詞表述的是三個動態的過程，而非靜止的狀態，你能從畫面中感受到這三個詞所表達的感覺么？如果能的話，可能這幾組作品的目的就達到了。
大黑大悟認為，設計可以不局限于讓觀者擁有某種“理解”，能夠單純地讓觀者擁有某種“感受”，那也是一種設計。
我還發現了一個神奇的視錯覺，把這幾張海報以漸隱漸現的方式循環播放，還真出現了動態的擴散效果。
2016年這組海報的主題是“個性”，你看不到這些人物的臉，也不用理解他們由不同圖形組成的身體代表什么，你只需要直觀地感受他們的個性就可以。
綠頭發的文青，粉頭發的朋克，藍頭發的搞科研，橙色頭發愛打麻將，青色頭發可能是高三班主任。當然這只是我的個人感受，每個人都可以有自己的感受。說不定你還能將海報與身邊的人聯系起來，當你在看某一張海報時覺得這張畫的就那個誰，也說不清為什么，就是一個直覺。
Pristine是一個有機棉品牌，由于有機棉本身精細的質地和微妙的色調能夠最好地傳達棉花的品質，因此Pristine的品牌設計盡力去除過度的裝飾，專注于展現材料本身的魅力。
產品包裝僅使用小尺寸的卡片或紙帶印制基本信息，以求最大限度地展示產品本身，讓顧客直觀感受產品的品質。當所有產品被集中排列起來時，你看到的將是一片巨大的有機棉田，而不是一堆包裝。
其中棉線團的包裝更是采用了紡織過程中產生的廢布料，充分體現品牌的環保意識。
男裝系列的包裝區別于兒童與女性，采用了淡淡的灰藍色調，手繪插畫部分也改為純黑白，以此來體現男性特質，同時又不會脫離品牌的整體風格。
在品牌宣傳品上，這次的設計同樣有非常多的小巧思，名片的包裝采用了品牌生產的棉布，信封狀的傳單打開后，里面有不同產品的布料小樣，這些都是為了讓顧客直接感受有機棉的品質。而且宣傳用的卡片還可以用作書簽，而不必被丟棄。總之我在街上收到這樣的傳單我不會到處尋找垃圾桶，所以說創造美也是一種節約。
這個項目是受日本政府委托，推廣國內23個半島地區。根據定義，半島幾乎被水包圍，因此擁有一個得天獨厚的環境。海灘、村莊和山脈都聚集在同一個區域。同時，在歷史上半島一直充當著日本的門戶，豐富的混合文化也體現了半島的特色。這個項目是一個重新審視半島的定義、價值和未來的契機。
大黑大悟將一段半島的輪廓線與文字結合制作了這個標志，非常直白且表現形式也極度簡潔。但簡潔不代表簡單，“推廣半島地區”這個主題其實非常廣泛，涵蓋了地理、歷史、文化等方方面面。但是是什么造就了半島與內陸的種種差異，歸根結底還是半島的地理特性。大黑大悟的標志中這一小段曲線，正是一切的源頭。
化繁為簡的過程不一定是舍棄，越是復雜的狀況越要抓住事物的核心，我認為這個項目完全可以體現出大黑大悟作為一位頂級設計師的實力。
不同的輪廓線搭配不同的文字主題，讓這個標志系統有了無限的延展性，使標志的潛力隨著項目的發展而擴大。下面是2011-2014年間舉辦的三場不同的半島主題的展覽。
2011年的主題是“發現、學習和談論半島”。本次展覽制作了關于日本半島各地區的地理位置、概況和獨特事件信息的筆記本，它的出版旨在展示日本半島迷人的隱藏豐富性，喚起人們的求知欲，并使觀眾對半島地區產生了更深層次的興趣。
2013年的主題是“半島與人”。展覽采訪并拍攝了從北端北海道到南端九州的全日本半島居民。無論是臉上有著像歷史一般深刻皺紋的漁民，還是與周圍的自然環境和諧共存的孩子，半島上每一個普通的居民都是這次展覽的主角。
2014年的主題是“半島與廚房”，這一次展覽呈現了日本美食文化的多樣性。到日本各地旅游，食物的主題總是最能引起人們討論的話題。人類自然對食物充滿強烈的好奇心，在半島上，日本的飲食文化仍有最深厚的根基。其實不管在哪兒，只要你展覽美食，就永遠不會缺少觀眾。
畏嚴吾我想大家多少都有聽說過，他是目前世界上在世的最偉大的建筑師之一。他最經典的設計語言就是將木方反復堆疊形成的類似百葉窗的建筑結構，又或者是更加夸張地堆成搖搖欲墜分分鐘要塌的效果。
本次中國展的視覺由大黑大悟負責，他就是提取了這一經典設計語言的視覺特征來完成這次的設計。
這一設計的巧妙之處在于，它既是畏嚴吾風格在視覺層面的凝練，又符合展覽的主題“隙間”，也可以說畏嚴吾式設計的靈魂就在這空隙之間。更妙的是，空隙的加入讓這個設計伸縮自如，自然就能夠適應各種大小不同的型材。
因此，這套視覺系統不僅在視覺上還原的了畏嚴吾的設計，同時這套系統的應用本身就是將畏嚴吾設計的功能性在平面世界中的完美展現。
△ 清里燒酒釀造所
北海道清里燒酒產自日本唯一一家由當地政府經營的燒酒廠，這家酒廠坐落在北海道的清里。1975年，這個小鎮的居民創造了日本第一款土豆燒酒。2014年，為了讓清里燒酒獲得全世界的認可，以促進清里成為一個為人熟知的文化農業村，清里燒酒的概念和設計全面更新。
為了設計出被當地居民所認可的能夠代表其文化的品牌形象，大黑大悟花了整整兩年時間去深入當地人的生活，了解他們的文化。最終開發出了“世界、北海道、清里”的宣傳口號，并形成了上面這款標志，它代表著“自然”、“農業”與“人”。
瓶身設計采用了一種自然的流線型，容量由日本燒酒常用的780ml改為國際通用的700ml。三款燒酒的顏色分別取自自然中的水（透明色），雪（純白色）和木（金色）。其中雪白色的瓶身采用了一種霧面無光澤的處理，使它的觀感和觸感都很特別。雖然你摸不到它，但從圖片里還是能夠感受到它不遜于北海道雪景的美。
這個項目最特別的部分是，提案過程采用了罕見的開放提案的形式，公開召集了近150位當地居民來聽取意見，因為大黑大悟認為，當地人才是最了解清里燒酒的人，大黑稱這次設計的最終形成是當地所有人努力的結晶。可以說這次品牌更新不是一次簡單的包裝設計，而是在全面打造清里的地方文化及鞏固當地居民的文化認同與自豪。
在東京邊緣的八王子市，海拔599米的高尾山，據說是離一座城市最近的山之一。在它的腳下矗立著高尾599博物館，大黑大悟是這座博物館的創意和策劃總監。
海拔599乍聽起來好像有點不太厲害呢，我們國家能排得上號的名山海拔怎么也得一千起步。但是也別小看這599，由于地處暖溫帶和冷溫帶氣候的交界處，高尾山獨特的生態系統使得兩種氣候帶的植物在此混雜生長。目前山中已確認的植物種類多達1600余種，相當于全英國的野生植物種類之和。同時還有超過5000種昆蟲和150種野生鳥類。高尾山每年會迎來300萬登山者，是世界上游客最多的山，觀光量是日本最負盛名的富士山的15倍。
大黑大悟為了讓世人認識到這座山的魅力，果斷把599放在了標志中。而且高尾山的特點是雖然不高但是底盤很大，大黑將它簡化成一個扁的三角形放在了599的上面。這一案例的標題中已經提到 “綜合設計”，因此標志設計只是其中的一部分，599這個數字將會貫穿整個項目的每一處，成為高尾山最醒目的名片。
為了能讓高尾山這個項目更廣范圍地傳播，大黑的設計需要觸及到展覽、游客服務、網站甚至建筑等方方面面。博物館整體分為三個部分“NATURE WALL”、“NATURE COLLECTION”和“599 Guide”。
NATURE WALL是一個20米寬的白墻，有山毛櫸樹的浮雕和高尾山的真實動物標本。但是關了燈投上影，這里就變成了一個劇院。描繪高尾山四季的動態圖像被投射到墻上，美麗而幽默地展示了自然的感官和科學魅力。
NATURE COLLECTION是將高尾山的植物固封在丙烯酸樹脂中制作的一個植物展。由于高尾山隨著四季的變化會有各種不同的植物交替生長，游客來到高尾山沒辦法同時領略它們的美是很遺憾的，因此舉辦了這個展覽，同時作為博物館，你可以在這里認識高尾山的每一種植物。
599 Guide為游客導覽的部分，將鼯鼠作為高尾山的吉祥物，通過動畫的形式為游客展示，方便游客理解。同時網站作為游客了解高尾山的重要途徑，也是屬于本項目的設計內容。
為了避免枯燥，網站采用了大量的插畫以及動態的交互方式，站內會有很多與鼠標互動的小細節，希望游客在點擊的時候感受到這種樂趣。
為了配合這一切的有趣，高尾山博物館使用的字體也經過了重新設計，其中大寫Q和小寫g的細節調整非常明顯，當然其他字母也都經過了調整，仔細觀察你會發現，許多細節部分生硬的直線被改成了曲線。
這樣做可以減少人工的痕跡，與自然界普遍存在的有機曲線更相稱。
同時，景區圖標的設計也做到與文字風格相搭配，共同營造高尾山項目的氣質。
在高尾山的眾多禮品設計中有兩個是格外需要介紹一下的，一個是“599 book”。
這可以說是一本百科全書，記錄了高尾山的一切，這本書厚達300頁，內容與設計都極其精美，完全可以作為關于高尾山的文獻資料出版，而不只是一本紀念手冊。
高尾紫羅蘭和櫻花，它們兩個被選為當地的代表性花卉作為紀念品出售，也就是說你可把展覽中的兩種花帶回家，不過看起來很貴的樣子。
這是一個用當地木材制作的捐款箱，你可以獻出自己的愛心為高尾山自然保護盡一份力，同時博物館紀念品收入的10%也會用于這項工作。
有關于環保是如此大型的自然開發項目中必然會遇到的現實問題。高尾山的開發項目曾因當地居民的反對而陷入停滯，大黑接手之后，他將整個項目的開發過程和結果一點一點地畫給當地人看，讓他們了解到項目是如何珍視高尾山的生態，而不是以犧牲自然為代價。最終項目得以順利開展，經過整整四年時間才最終落成，并獲得紐約 ADC 2016 環境設計項目金獎。
Dear Mayuko是一個倡導生活方式的化妝品和美容品牌，以使用谷蛋白（一種在蠶繭中發現的天然保濕成分）而聞名。大黑大悟負責整個品牌在創立時的方向和設計，以及指導從商標、包裝、店面、促銷工具和廣告等所有項目。
他將品牌的洗護用品所換起的蓬松的、起泡的、絲般的、有光澤的感覺描繪成各種各樣的圓形，這些圓形就來自蠶繭的形狀。
廣告圖片想要展現一種空氣感和透明的感覺，以傳達Dear Mayuko渴望擁有的“純真的”放松的皮膚理念。
我覺得作為護膚品牌，產品外觀設計成這樣很難不戳中美少女們的心，種草和下單就是最好的選擇。
再看一眼店面，如果不差錢的話，整個店都想盤下來。
店鋪跟外包裝設計都采用了浴室瓷磚的概念，125mm x 125mm的網格模式可以將各種不同的材質都統一在一個風格之下，讓這個店鋪里的一切都毫無違和感。
越乃寒梅是Ishimoto清酒釀造廠的招牌產品，日本最負盛名的清酒之一。
越乃寒梅的意思是指經得起寒冬的梅花，因此標志由象征雪花的六邊形和象征梅花的圓形切割而成，這是一個典型的格式塔原理的應用。這里的六邊形和圓形都不是生硬的幾何圖形，細節部分經過了手工感覺的處理，使這六條邊的造型與中心的毛筆字和諧一致，極具文化感。所以剛開始我還以為這一圈是六個“一”。
“灑”是品牌時隔40年推出的第一款清酒新品，專為年輕客群創造的味道。外觀使用了充滿活力的藍色酒瓶和日本傳統的淺青色酒標來體現這種新鮮清淡的感覺。在設計上與同系列其他產品既有統一又有明顯的差異性。
同系列還有“無垢”、“特撰”和“特釀酒”三款，其中“特釀酒”的配色采用了金色，酒標的設計也略有不同，更具高級感，可見它是更貴一些的，但它不是最貴的，最貴的在下面。
品牌110周年紀念酒，限量3900瓶。貴到盡頭就是洗盡鉛華的白，白到連名都看不見。大黑大悟為了體現這種安靜的美麗，在酒標設計上采用了光澤壓印的工藝，遠看似有若無，湊近了才能看到每一處精致的細節。
這一款瓶身設計與中國古代文人對于梅花高潔不爭的詮釋有著異曲同工之妙，王安石的《梅》中有一句，“遙知不是雪，為有暗香來。”
指路一下大黑工作室的官網，里面有一些視頻，有條件的同學可以看一下。
原文地址：研習設（公眾號）
勝井三雄の光的藝術
Mitsuo katsui
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視覺共振?勝井三雄展《色光的房間》
勝井三雄先生，1931年出生于日本東京，1955年畢業于東京教育大學。武藏野美術大學教授、日本平面設計協會（JAGDA）會長，國際平面協會會員、東京藝術指導理事、紐約藝術指導俱樂部會員。曾獲得JAGDA龜倉雄策獎、東京ADC會員獎、紐約ADC金獎、布爾諾國際平面設計雙年獎等多個國際獎項。近年還擔任參與了2020年東京奧運會、殘奧會標志評選委員。
勝井先生是日本現代最具代表性的設計師之一，一生致力于開拓平面設計的新領域。不斷研究隨科學進步計算機等新媒介與平面設計的新結合，其最主要的設計核心手法是使用“光”，陶醉于新技術與光之間的融合過渡。
（A fragment of Light poster）
勝井三雄通過計算機借數字化新技術來完成實現作品，善于將光的色彩作為設計語言。對光的色彩的駕馭可以說是無所不通 ，并且具有強烈的他的個人識別風格，哪怕是幾十年后來看，也會覺得是當代之作～
1.別具一格的“光”的運用
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（AGI JAPAN系列海報設計）
學生時代的勝井先生就癡迷攝影，對相機成像里變幻莫測的色彩光線與黑白照片中的光影對比產生里濃厚的好奇。在不同顏色之間運用漸變構成手法，對色彩的微妙把控得十分到位，利用計算機技術創造出夢幻般的效果。往往會給人神秘且變化莫測的情境感受。
（森澤字體公司設計的系列海報）
在六十年代科技高度發達發展的社會里，設計的媒介應用也得以迅速成長，勝井先生為森澤字體設計的文化論壇上說道：“設計沒有被當作是一種共通的工具來看待，而更像是從各種源流中派生出來的、創作手法和風格各異的藝術形式，我覺得海報也好，標識也好，跟平面設計有關的所有創作都不應該被當成單一件作品來孤立地看待，而是應該放在時代背景或者技術發展的大流中來看。”
從早年，計算機時代還沒有問世之時，勝井先生就在考慮未來設計隨著科學技術的高度發展而變遷，早在學生時代，勝井先生就在時時關注發展趨勢隨之和他的“光”的結合。當他的同學們還在靠筆來完成正常海報與標志之時，勝井先生就對他的同班同學說“將來的設計一定是不需要靠筆來完成，而可能是靠某種媒介應用與設計思維的碰撞就可以迅速完成的”
（Visionary∞Gene海報）
（印在絲網上的標記圖案）
（Pattern by marker printed on silkscreen）
向井先生曾經評價勝井三雄說：“勝井三雄所有的設計作品，向我們展示了對設計構成系統的再構筑和傳達方式的新的地平線。這種對于設計的態度，也就是卓越的現代設計的根本原理、方法意識之核心。”
2. 熱愛使用幾何學與心理學結合創作
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勝井先生本身畢業于東京教育大學 藝術學科里的構成專業，自然對構成有實打的烙印基礎，除了他善于使用計算機技術和現代印刷術的結合制作出幻化的“光”以外，他還善于使用通過幾何學原理與人的心理學進行結合創作。
(Poster for the 3th for Toinsho Student Design, 1967)
（Traditions and new techniques poster. Mitsuo）
（Poster for Inter Design Kyush）
(The 11th Tokyo International Print Biennale Poster, 1979)
(Poster for the First International Poster Triennial in Toyama, 1985)
勝井先生的幾何學的錯視和因色彩對比所造成的錯覺，也就是看到某個圖形時，常有感覺與其客觀大小、長度、方向等不同的現象。它能帶給人們不同尋常的視覺感受和體驗，達到藝術或者類似魔術般的效果。使用錯視原理與漸變構成將作品展現得淋漓盡致。
（勝井三雄展 色光の紋章 SEQUENT SIGHT）
（勝井三雄 VISIONARY ∞ GENE+m）
（「兆しのデザイン」展覽及展覽別冊）
（NOH 能, 海報設計）
構成形式也非常獨特，使人充滿詳想象空間，色彩應用巧奪天工，絢麗多彩，利用計算機技術所做的暈色漸變幻化美妙；還有充滿禪宗意境的神秘，令人心曠神怡，略有瑕疵的意蘊和形式美讓人體會到了濃厚的大和文化氣質。
（YURAGI and YURAGI）
3.視覺共振?勝井三雄
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視覺共振?勝井三雄展海報
視覺共振?勝井三雄展是勝井三雄生前舉辦的最后一個展覽，其展示了勝井先生1801-2019勝井三雄設計史優秀作品。在這個區域，將勝井三雄的思考軌跡以年表、對他有影響的書物等方式展示出來。
視覺共振?勝井三雄展《色光的房間》
沒想到此次展覽就為勝井先生人生當中最后的一次展覽，展覽在去年4月份開館，而勝井先生于8月12號因胰臟癌在東京的家中不幸去世了，享年87歲。
作為日本探索數字設計表現的開拓者，從上世紀80年代起就致力于將計算機制圖引入設計制作中，將數字化技術和色彩豐富的視覺表現結合，以其新穎獨特的色彩運用。回首再看他從事的60余年設計作品，不管是上個世紀的還是如今的，光看作品其實都很難區分開是哪個時代設計的。其主要原因就是因為勝井先生對新技術與設計的結合嗅覺非常的敏感，電腦不僅僅是工具僅此，展示的媒介也是數字化的。他的設計與新科學技術的發展是一直與時俱進的。將日本傳統文化和現代計算機技術相結合，向世界展示了日本設計，他勇于創新，無論在理念上還是新技術的運用上，都走在了日本平面設計界的最前沿。
直到去年，這位87歲的爺爺去世前，仍還以設計師的身份探索著繼續創新。本是已到可以退休安享晚年的他，還這么依舊創作精力極其旺盛，是什么讓他這樣的年紀還忙活于設計呢？除了熱愛，你覺得是什么呢？
其他海報作品
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高橋善丸（Takahashi Yoshiharu）1952年出生于日本富山縣，1974年畢業于大阪藝術大學，1984年成立了廣告丸（Koko Kumaru）工作室。關于高橋善丸的生平經歷就這么多，接著我們直接進入正文部分。
漢字，在亞洲范圍內廣泛被使用，與英文或者韓文等表音文字不同，漢字是現在世界上唯一仍然被廣泛使用的表意文字，所以閱讀漢字可以更快地理解文字的意思。那么漢字這樣一種具有先天優勢的優美文字，是否還有設計的必要呢？我們來看看高橋善丸的看法。
為了解釋這個說法。高橋善丸畫了一個圖注。好看的字體應該包含了三個維度，分別是創新性、情感屬性和功能性，創新性和情感屬性越強，文字的個性就越強，而功能性越強，可讀性就越強。
當我們在看書的時候，我們閱讀大量的文字也不會感覺到吃力，因為這些文字是滿足功能性的字體，這樣的字體毫無疑問是優美的，筆畫與筆畫之間的負空間均衡分布，并且文字之間非常的統一，整齊排列會讓人閱讀起來十分的舒適。
可是這種毫無變化的美感也會讓人感到無聊甚至感到距離感。如果我們在書籍的封面上使用這樣的文字，這本書很可能壓根就不會吸引到我們的注意，更別說翻開這本書去閱讀書內的優美文字了。例如高橋善丸的這本書，左邊用的是可讀性非常強的字體，而右邊則是個性化的字體，你會選擇哪一本？
所以高橋善丸認為，為了讓文字更有個性和更吸引人的注意，有時候我們需要刻意地去打破文字的平衡結構，追求一些新鮮的表現方式。
但是，打破秩序這件事情也必須是在秩序存在的前提下才能夠成立，如果為了追求個性把文字的秩序完全破壞，那么這個文字還能算是文字嗎？也就是說我們在做字體設計的時候必須保證一定的可讀性，不然文字再具有個性也是意義不大的。
那么我們具體應該怎么進行字體設計呢？我們來看看高橋善丸的六個設計方法（針對logo、標題字等幾個字的文字組合，而非正文字體）。
在漢字形成的過程中，從隸書開始，漢字逐漸形成以橫畫和豎畫為主體的文字，因此大多數的漢字都能很容易地在網格的基礎上進行設計。在西文中，大寫字母的結構也比較接近網格橫豎的構成，而小寫字母或者日文中的平假名就相對比較難受了，他們包含了許多的曲線和圓，更偏向于手寫一些。如果要用網格來設計他們難度會比較大。不過難度大就避開嗎？當然不，高橋善丸認為正是因為如此有難度，所以一旦克服了這個難關，設計出來的文字將會變得非常的具有創造性。
法善寺位于大阪道頓崛里的舊胡同街，是著名小說《夫婦善哉》的故事發生地點。2003年法善寺遭遇大火，大部分的地方都被大火毀去。許多人對此感到十分痛惜，并且呼吁對法善寺進行重建，而這張海報則是高橋善丸為呼吁重建而設計的運動海報。
海報中法善寺這三個字是通過網格搭建出來的，所有的筆畫都被處理成橫畫和豎畫。處理完之后，高橋善丸發現這三個字中橫線特別的多，所以將法善寺這三個字進行橫向的延伸，這樣文字的視覺張力就強多了。
這個logo高橋善丸依舊是采用網格制作，然后他將字母“g”的下部用比較緩和的曲線代替。另外由于wings是翅膀的意思，所以高橋善丸在“w”的一側加入象征羽毛的曲線色塊，同樣，“i”上方的點也是用這樣的曲線色塊代替，與“w”上的羽毛進行呼應。通過堅硬的網格骨架與柔和的曲線羽毛進行對比，能讓樸素的機關雜志也能產生時尚的氣息。
婚勝是一個為了保護傳統產業的促銷企劃。由于現在的人普遍使用調味料，越來越少通過海帶和魚干來烹飪湯汁了，導致了海鮮與海帶的銷量大大降低。為了促進銷售，啟動了“婚勝”的企劃。由于昆布鰹魚湯是日本的一個靈魂料理，可以說是絕妙的搭配。所以聰明的魚商將昆布和鰹魚與情侶進行類比，將它們包裝在一起，盒子設計為神社祈求良緣用的紙幣。這樣“婚勝”就成了一種祈禱美好婚姻的禮品了。
說了這么多，我們還是來分析一下“婚勝”的這個logo。最初通過網格設計的字體會顯得十分僵硬，特別是“日”、“月”的部分，難以和美好的愛情聯系在一起，所以高橋善丸將“月”字旁、“女”字旁都加入了柔和、流動的曲線，這樣更符合細水長流的愛情的氣質。并且將“婚”字中的“日”字用心形代替，這樣更能呼應主題。
第二點指的是在網格的基礎上，加入部分線條。而高橋善丸總結的第三點可以算作是第二點的升級版，完全使用有機的曲線來構成文字，連文字的骨架也都是用的曲線，這樣能讓讀者強烈的感受到曲線帶來的溫度。但是，當文字完全使用曲線構成時，文字的造型會變得非常的不穩定且難以控制，所以在設計的時候，很有必要設置一些隱藏的規則去規范文字的造型。當我們設計多個文字時，這種規則的設置最好能夠是連續且統一的，這樣能讓多個文字存在共性與秩序，從而產生穩定的感覺。是不是覺得有些難懂？看看下面的例子就明白啦！
這個彩虹手巾為了紀念在大阪·中崎町開店而特地設計的一款手巾，它采用了“注染”的傳統技術。高橋善丸為了營造歡快輕松的氛圍，特地設計了雨滴一般流暢的彩虹曲線。而字體上也與雨滴曲線進行了統一，采用了縱向自由延展的曲線骨骼。可是光采用曲線骨骼很容易造成文字的不穩定，所以高橋善丸將中、口和田字替換成了雨滴狀，增加文字之間的統一感，并且也與雨滴曲線呼應上了。
mimesis是一本插畫集，我們看封面，是一個小女孩撩起了半透明的蕾絲裙子。而高橋善丸設計這個字體就是為了模擬蕾絲的裙子，文字的下半部分變成了曲線，就像是蕾絲裙子的裙擺在隨風擺動。
這是一個以水都大阪為主題的展覽。
“水”字的筆畫原本是往外伸展的，而這里高橋善丸將“水”的筆畫往內收了，處理成水瓶的樣子，呼應水都的主題。而“都”字中的“日”被處理成水的漩渦，也是為了點題。然后“水都”兩個字整體都是圓形的造型，讓兩個字有統一感。
#p#副標題#e#
一般我們在做字體設計的時候，都會先設置好一個字面框，然后再在這個框框里進行字體設計。可是高橋善丸卻不是這么想，雖然說在框框內也可以做一些個性化的設計，可是如果能打破這個框框的限制，那么不就可以更開放地強調文字的個性化了嗎？于是高橋善丸總結的第四點字體設計方法是去除字面框。但是去除字面框也意味著存在不平衡的風險，所以在使用這個方法必須要有整體的意識，我們應該更多地去觀察整體文字組合的造型平衡，而不只是單獨一個文字的平衡。
野放途是一個藝術相關的網站，“野放途”這個名字是帶有奔放、松散的意味，高橋善丸為了展現這種氣質，隨意地對字體的筆畫進行延長，超出了字面框也沒關系。而且為了充分展示自由的狀態，筆畫的傾斜角度也沒有進行統一。
春之夜是一本詩集的書籍封面。
這本書的書籍封面采用了跟野放途同樣的處理手法，將文字的部分筆畫進行了延伸，不過不同的是，春之夜并沒有要展示自由奔放的氣質，所以延伸的筆畫的角度都是統一為45°。另外由于“の”字沒有合適的筆畫進行延伸，可是要讓文字造型上更統一，所以將這三個字的封閉空間都涂黑了。
這是一本收集了19-20世紀，日本銷售的家庭配藥的包裝和廣告書。標題的字體采用了極長的字面，不過這種長字面并不是整體平均的拉長，而是將文字的某個部位進行拉伸延展，甚至“気”字有一筆往外延伸，超出了字面框。目的是為了讓字體更具個性，也更具吸引力。而且為了讓文字更統一，和更有節奏感，許多字都加入了小圓圈的圖形。
高橋善丸還給這本書內頁的各章節標題設計了字體。乍一看，會覺得這些字體帶有傳統中藥的古典氣質，可是實際上這些字與復雜的篆體相反，他采用了許多簡化的有機曲線，這樣設計的字體既有可讀性，又能讓人感覺親切。
漢字的筆畫數量差異是非常大的，從“一”字最少的1畫到最多的57畫，所以當漢字排列在一起時，經常會產生強烈的灰度對比。筆畫少的字看起來是比較舒服而且容易辨認的，而對于筆畫多的字，識別的時間則要長一些。所以高橋善丸在進行字體設計的時候，經常會對文字的筆畫進行刪減，但是在刪減過后需要保持甚至是提升文字的識別性。可是要怎么樣才能做到刪減筆畫卻不會降低識別性呢?我們需要對文字進行認真觀察，找出文字中的識別點，然后盡可能地保留識別點，去刪減別的筆畫。
白南風指的是梅子成熟前后刮的風，青雨指的是新綠時期的雨。
高橋善丸抓住了這五個字都有包圍或者半包圍結構的特點，將包圍的框框處理成正方形，其他的筆畫就縮得非常小，但是并不會過多地影響他們的識別性。然后高橋善丸還在這五個字的中間加入了一個黑色的正方形，因在日本文化中，經常用黑色來象征梅雨時節的天氣。
這是高橋善丸自己出版的書，上面收集了20世紀前半期奇特的印刷品，記載了當時的文化和設計。
高橋善丸設計書封字體的時候，省略了許多字的筆畫，使文字的透氣感更強一些。另外，文字傾斜的筆畫角度都是一致的，讓整個標題組具有統一的流動感。書籍裝幀上使用了傳統的邊框和插畫，再加上彩虹箔，營造復古的氛圍。
這本書的內頁的篇章標題也是經過設計的，高橋善丸用不同的家族成員來代表不同的篇章，例如：“爺”、“父”、“母”、“嬢”等等，并且這些字都是由非常緩慢的曲線構成，給人一種家庭的溫暖感。
可是繁體字中，“爺”“嬢”等字的筆畫非常多，而“父”、“母”等字的筆畫則非常少，為了讓他們之間產生統一感，高橋善丸對筆畫多的字進行刪減筆畫，展現出更輕松可愛的氛圍。
漢字雖然起源于象形文字，但是隨著長時間的演變，已經幾乎看不出漢字原來圖形的模樣了，我們也很難從漢字的樣子中去推測漢字的意思。可是圖形化的漢字是能夠幫助讀者去理解和感受漢字的含義的，所以高橋善丸嘗試將字體重新的象形化。但是這種象形化并非是像甲骨文那樣追求文字的具象化，而是根據文字詞組的含義，做出符合內涵和氣質的圖形設計，讓文字與圖形能夠有機的融合在一起。
這個是高橋善丸為德國杜塞爾多夫應用科學舉辦的日本周設計的主視覺。為什么會使用流字作為主視覺呢？因為在日本，對文字的審美意識是縱向的書寫，從上而下的流暢筆跡，就像是從高處往下流的水一樣，所以用“流”字來象征日本的文化。
我們來看看這兩個字的設計，流字下面是一個“川”字，為了讓人聯想到水流，高橋善丸讓這個“川”字的筆畫沿著字的外輪廓延伸，拉長，就像是瀑布一樣。然后“流字”這兩個字的筆畫都是采用統一的圓弧線條，也能體現流動的感覺。
高円宮妃久子殿下是一位專門拍攝野鳥的業余攝影師。這是高橋善丸為她的作品展覽設計的文字。
“鳥”字原本就是一個象形字，它是一只站立的鳥，而高橋善丸將這個鳥字放平了，在不損害識別性的前提下，更加寫實地模擬出鳥飛行的狀態。
2014年，日本發生了大地震，而德國杜塞爾多夫的藝術家們為了支持日本的災后重建，舉辦了一場國際海報展，高橋善丸為了這個展覽做了這張海報。Japan這五個英文字母散亂地掉落在水里，代表著受到了地震和海嘯災害的日本。而高橋善丸別出心裁地將字母J與一棵挺立的松樹結合在了一起，表達了希望日本能像這棵松樹一樣，經歷了災難后仍然能頑強地站起來。
我們要介紹的高橋善丸的六種字體設計思路就講完了。不過我們介紹的這些思路可不是讓大家生搬硬套的。
高橋善丸說到，在字體設計時需要注意兩件事情，第一件是我們需要先理解詞組的含義，然后再為這個詞組選擇合適的視覺表現方式，而非簡單地修改文字來賦予他個性；第二件事是需要找到文字之間的視覺關聯性，然后強調其中的特征，而非生搬硬套。其實用更簡單的方式來說，就是像學會了PS并不等同于學會了設計一樣，我們總結了這六種字體設計思路，也并不代表我們就能達到高橋善丸的做字水平了，相較于做字思路，更重要的是做字前的思考，希望同學們在做字的時候能夠沉下心來，想明白了再動手。
*本文內容來源于高橋善丸的著作《ここちいい文字》。
原文：研習設
新村則人先生出生于一個小漁村，繼承了漁民身上特有的敦厚，這一點從他的面相上就看得出來。但你不知道的是，在這張樸實的面孔下隱藏著一個擁有巨大創造力的手工狂魔。
「真實感」是新村則人在設計中永恒不變的追求，為了在設計中表現出真實的質感，他會做出許多你無法想象的驚世之舉。下面是他為日本雜志《野性時代》設計的一組海報，我們來感受一下這種瘋狂。
在這張海報中，新村則人將幾張印有文字的宣紙重疊在一起，再刷上一層水，使宣紙變得透明，下面的文字就會從不同層數的宣紙后面透出來，呈現出深淺不一的視覺觀感。雖然這種層次感用軟件可以輕易實現，但在細節與質感上與手工制作有著云泥之別。
這幅海報是他花了十個小時，用真實的算盤珠拼成的，個別珠子上微妙的小偏差可以透露出這不是一張電腦制作的圖片。
你猜往墻上貼一萬張便簽紙需要多久？答案是15個小時。我在想如果是我貼完了這張海報，后退三步觀察一下，發現配色不太理想，我應該會真實的死亡。除此之外，他還用了擰氣球和刺繡等方法制作了一系列的海報，著實是一個多才多藝的手工小能手。
為了追求真實的效果，諸如此類的爆炸行徑后面還有很多，而且會愈演愈烈，甚至達到了「以真亂假」的地步。比如下面這張。
△ 銀座ggg展海報（2010）
當我看到船上有一棵樹的時候，我的第一反應是照片合成，但這一棵是新村則人放上去的。若要頒發一個全日本「最實在設計師獎」，我推新村則人，你也很難找到第二個能與他抗衡的入圍者。
新村則人認為，有些年輕的設計師會苦于沒有靈感，其實只要平時注意從身邊找到自己喜歡的東西就行了，只要你對其產生熱愛，在設計中就會很容易找到契合點，并設計出只屬于自己的東西。屬于自己的好的創意，往往能填補技法水平不高的劣勢。
我覺得他的意思是，設計講究的更多是想法而不是技法。再通俗點就是，你也不會用PS么？那我們一起來做手工吧！
新村則人還說過，「我20歲那年還不知道設計是什么，做出來的東西很差勁。當然，我現在做出來的東西依然很差勁。」
這句話就很幽默了，他做很差勁那我們做的是什么垃圾，嗯？
獲得獎項
JAGDA（日本平面設計師協會）新人獎；環境廣告最高獎（第60/61屆）；Mainichi設計獎（每日設計獎）；布魯諾國際平面設計雙年展金獎；華沙國際海報雙年展銀獎；登米國際海報三年展銅獎；紐約ADC銀獎；東京TDC銅獎
其他各類獎項還有很多，這里不一一列舉，同時新村則人也是東京TDC，紐約ADC，JAGDA等機構的會員，以及2000年富士ADC、2001年紐約ADC、2002年JAGDA等設計大賽評委。
設計師簡介
新村則人，1960年5月5日出生在日本山口縣大島郡浮島的一個漁民家庭，家中有兄弟姐妹共八個人，新村則人是最小的。作為家中的小兒子，同時又生活在海邊，可想而知他的童年生活浪得有多開心。
日本的「縣」大致相當于中國的「省」，山口縣位于日本本州最西端，三面環海形如半島。
新村則人的老家大島郡位于山口縣的最東邊，是一個小島，浮島是上面更小的一塊小島，而他就是這座島上的島民。
為什么這么仔細介紹地理知識呢，因為新村則人出生的小漁村只有2000人，那里有最淳樸的民風，同時優越的地理位置造就了豐富的物產和優美的自然環境。新村則人常說他的靈感都是來源于生活，這跟家鄉帶給他的滋養密不可分。人與自然的關系是他設計中永恒不變的主題，這一點在他的許多作品中都有體現。
愛上設計與一位美術老師的啟發有關，小學4年級時，新村則人受到伊藤哲老師的影響，迷上了海報藝術，並立志成為一名設計師。
他從自己的成長的環境中逐漸發現了如何尋找創意，如何讓自己的創意簡潔再簡潔，直到小學生也看得懂。
下面是新村則人為自己家的新村水產拍攝制作的一系列海報。你能從中感受到這種簡單直接的設計力量。
這一組海報是為新村水產的海鮮都打上了高級產品才會有的品牌標簽，讓它們看起來也像是高級螃蟹和高級魚，以表達海鮮品質上乘的概念。
這一組的主題「網」，是新村則人在看到自己的父親修補漁網時有感而發，生出的創作靈感。這里強調一下，本篇文章出現的所有疑似電腦合成的設計作品，都是實拍完成的。不過下面這一組海報的制作方式確實遭受過質疑。
「水滴」，新村則人曾公開解釋過這組海報的制作過程，將水產上方疊放三層玻璃，每一層都用水滴滴出「新村水產」的字樣，然后在拍攝時將焦面對在第二層玻璃上，就能拍攝出這樣的效果。建議放大觀看。所以收起你們的高斯模糊，不要對手工狂魔的實力存有質疑。
這魚飛得這么飄逸也是實拍么？這一組的主題是「島上的漁夫」，這些漁夫都是新村則人的親戚。一開始我還以為他們是把魚揚到天上，后來一想那畫面太美，確實是不敢看。其實這些魚是在游，鏡頭是透過一個清澈的魚缸在拍攝，仔細看后面海面的畸變，就能發現其中的端倪。為了呈現最新鮮健康的魚，他們帶著魚缸跟隨漁船出海打魚，在船上完成了實景拍攝。構圖的話，應該是由魚們自己把握的。
「大漁舞」，畫面中心的環形水流是請了14艘漁船在海面上開出來的，放大后能看到漁船，實拍。
新村則人一直保持著一個習慣，就是將設計完成的作品第一時間拿給自己的父母過目，因為他們是純粹的漁民，對設計一竅不通，「若他們都能理解我作品的含義，那么我相信不分職業，不同種族的人都可以理解。」 這也造就了新村則人的作品風格：簡潔明了，貼近生活。
1980年，新村則人畢業于大阪設計師學院，畢業后一直在大阪工作，直至1984年加入了夢寐以求的東京松永真設計事務所。此后又先后就職于Taki公司和I&S/BBDO公司。
△ 新村デザイン事務所 Shinmura Design Office
1995年，新村則人創立了自己的設計工作室Shinmura設計公司。主要為SHISEIDO（資生堂）旗下兩個品牌ELIXIR和INOUI ID從事設計，也為ZEN香水品牌擔當廣告設計，同時作為藝術總監擔任Muji Campsite（無印良品露營地）的廣告及其他工作。
作品解析
1. 百年后海考〈1997〉
這是新村則人為山口縣漁連設計的一組海報，目的在于提醒人們保護森林、保護魚類。
上面的海報是這一系列中最知名的一張。有一次新村則人從電視節目中了解到，森林采伐是海魚減少的一個重要原因，于是他專門收集了一些樹葉，把葉子放在一個空曠的背景上，末端伸出一個魚的尾巴，乍看去兩者便形成了一尾魚的形狀，形象地表現出森林與魚類唇亡齒寒的關系。
「這是我至今為止最滿意的作品，從這張作品開始，我認識到要利用身邊的東西作出設計，因為熟悉，所以人們更加容易理解你要表達的理念，這樣才能達到宣傳的效果。」
上面是這系列中的其余幾張，其實單看畫面就不難理解他想表達的意思。如果還是不確定的話，再教你一招。以第一張為例，一根魚線上面掛著幾十個魚鉤，我把下面文字中僅認識的幾個漢字提取出來是，「魚的子孫」，「獲」。翻譯過來就是，按照這個釣法，魚都讓你們釣得斷子絕孫了。是不是很好理解？后面幾張你可以自己試試。
2. 全球氣溫上升〈2005〉
這張海報中的文字還是用上面的方法閱讀，只挑你認識看就行，大概意思就是說全球氣溫上升的危害，它將導致海平面上升，多少陸地會消失，多少人們會流離失所。這段危害的文字還沒來得及看完，就被不斷上漲的水面吞沒了。
這幅作品除了頂級的創意之外，也幾乎是新村則人手作海報的巔峰。不用不相信自己的眼睛，這張海報是手工制作的。新村則人在工作室里特制了一個玻璃水缸，然后將文字部分一個一個剪下來放入水中等待其沉沒，并伺機拍攝，就是這么硬核。
3. 山口縣幼兒園〈2005〉
山口縣幼兒園是建筑師窪田勝文的作品，在標志設計方面他找到了新村則人。
是不是覺得設計大師的錢好賺？但我覺得這個設計非常好，既像一個蛋，又有襁褓和保護的意思，給人一種天然的安全感，同時也符合新村則人一貫的設計風格，簡單直接，返璞歸真。
即便我強行解釋，還是覺得畫個橢圓就收錢有點坑？那你仔細觀察一下，能看出它跟一般橢圓的區別么？
我在標志上面疊了一張品紅色的橢圓，你會發現把圓壓扁并不能與它完全重合，這個標志的曲率有經過特別的調整。
簡單來說，橢圓更「尖」而它更「頓」。我覺得這會使它看起來更柔軟，卻又更堅固。窪田勝文在委托新村的時候還提出了另一個要求，希望孩子不要撞到門上的玻璃。于是，新村將標志延展成了一個防撞的設計。
兩扇玻璃移門分開的時候是標志，重疊的時候就變成了小動物的臉。可愛么？
5. 2016奧運會「候選人檔案」〈2008〉
當時國際奧委會確定的2016奧運會最終候選人有：里約熱內盧，芝加哥，馬德里和東京。日本的候選人檔案由新村則人負責設計。
設計中采用了滿滿的日本特色，用綢緞將畫冊像禮物一樣仔細包起來，更值得一提的是它使用了日本德島的「阿波和紙」以及日本傳統的裝訂方式。
這種裝訂方式最大特點我想你應該能猜到。
于是日本動員了全國的裝訂工人來陪他做手工。新村在為這個項目做提案的時候還緊張夠嗆。最終結果我們都知道了，巴西當選，日本重在參與，只能心疼兩秒。
今年是2020，本是東京如愿舉辦奧運的大年，不料卻恰逢全人類都在面對病毒的挑戰，這里還是祝愿東京好運吧，希望每個人為這次體壇盛事做出的努力都不會付諸東流。
6. 森の薪能〈2008〉
在日本有一種傳統的歌舞劇叫「能劇」，演員會帶著面具拿著扇子，在舞臺上發出一些神奇的聲音，真的是非常高能。有機會你可以現場體驗一下，因為我也是瞎說的，我沒看過。
這一場能劇的主題是「森」，于是新村將葉子拼貼在能劇常用的道具扇子上，將森與能的概念合二為一。
7. 花束餐巾〈2009〉
一個有趣的小設計，不需要解釋，看圖就能秒懂。
再也用不著把餐巾費勁卷成天鵝什么的，用這個小圈一套就變成了一束野花，輕松裝嗶——下一個。
8. 無印良品露營地〈2010-2019〉
我們國人對于這個項目可能不太了解。在日本，無印良品除了銷售生活小物之外，還擁有并經營著三個露營地，分別是新瀉，岐阜和群馬。專門面向家庭組織露營活動，給人們提供一個放下手機，重返大自然的機會。
作為無印良品的藝術總監，露營地項目幾乎是新村則人每年一次的手工狂歡。
這組海報（2010）展示的是露營地的植物、昆蟲和云。仔細觀察你會發現圖案的印刷上會呈現出一種自然的斑駁，同時還有明顯的拼接痕跡。我知道PS的斑駁筆刷也能實現類似的效果，但新村肯定不會這么做。他采用了一種日本人用來印制傳統賀卡的「絲網印」小機器。
就是這個機器，它每次就只能印圖片中的那么一小片，因此一張海報需要由25片拼接而成，如果其中某一片表現得不太理想，整張海報就作廢咯。所以僅僅是上面那幾幅花朵的海報就嘗試制作了100版。過來幫忙的大學生手指頭都要折了。
由于這種印制效果新村非常喜歡，在之后的其他項目中還反復使用過。直到后來這個機器停產了，新村還為此失落了一番，幸好他還囤了不少機器和油墨。
這組海報（2012）挑戰了另一種工藝叫做「藍印」，工科轉行做設計師的肯定了解，這是一種工程制圖會用到的特殊印制方法，制作出來的圖紙也就是我們所說的「藍圖」。當初新村看到國外有攝影師用這種方式制作圖像，按捺不住的手工之魂驅使他一定要學會這種技法。這不回頭就用上了么，美不美吧你就說。
這組海報（2014）的概念是用一個盒子裝滿露營地一年四季的時令產品，像一個大飯盒一樣。你覺得這個項目的重點是什么？新村則人認為「盒子」是本次項目的重中之重，因為這個盒子它必須是什么呢？手——工——的。于是他找到了「箱作家」宇井孝先生來為他量身打造這個盒子。
盒子有了就可以等著四季輪換，裝不同的東西就可以了。但是冬天裝什么始終是個問題。有人提醒新村說，冬天的露營地除了雪啥也沒有。
于是這個方案誕生了，就放一個空盒子在地上，等一場雪，讓大自然自己做海報。
這組海報（2015）是想用木板的天然紋理來表現露營地的草原和湖泊。木板需要仔細挑選就不用多說了，染色更是頗費了一番功夫。依然有人建議新村用電腦給木板著色，但是他嫌效果太粗糙，決定自己動手染。嘗試了幾種方案均以失敗告終，不是不夠均勻就是不夠透。灰心喪氣之余他開始刷臉書，一不小心就勾搭上了「板染」技師清水將勇，當即決定殺去茨城縣面基。最終，如愿以償染出了滿意的效果。建議放大觀看。
這組海報（2016）是通過三幅插畫來展示露營地的各種場景，你放大仔細看，里面有很多美好的小細節，看得我都想就地露營。這三組插畫由庭野広祐創作完成之后本來就可以了，但新村覺得還是缺少一些質感。這里我知道缺少什么質感，就是缺「手工感」，他的套路我已經摸透了。新村打算將這組插畫做成露營被，于是他通過出版社找到了一本叫做《摩登被子風格》的作者藤田久美子和中島一惠，請求她們來為他制作。寫到這我覺得，在日本你干啥干得好就能成個「師」，我估計我姥姥要是生在日本，現在也能是個什么匠人。最終他們花了一個月時間縫出了這三床被，你可以再看看細節，縫得確實好。
無印良品露營地在2017年迎來了20周年。新村則人就這樣一年一年地關注著自然也注視著無印良品的成長。他決定用「年輪」的概念來表達這種自然的生長。圖片中木材的截面是美國藝術家Bryan Nash Gill通過一種火烤的手法制作的，每一圈年輪都能呈現出絲絲分明的效果。
新村則人覺得：「乍一看無所事事的‘年輪’，不知為何傳達出了自然的神秘和強大的力量。那個秘密，經過燃燒火烤，像版畫一樣呈現了出來。」
這組海報（2018）的主題是「山」「花」「云」「星」，我們又看到了一個新的手作質感，這個質感是新村在一本叫做《遅日の記》的詩集上看來的，他又很喜歡。正巧這本詩集是我們一個老熟人（他不認識我）做的——賣茶的葛西薰。于是新村瘋狂@葛西薰，請他來一起做海報。設計大佬互相客串這種事情也是常有的。
這組海報（2019）的主題是「人在自然中再生」，新村則人回收了一些被扔掉的紙箱，利用它們制作了帳篷和山，以此來表達循環利用的概念。
以上的每一組海報都與露營地的人事物緊密相連，展現大自然魅力的同時又傳達出人與自然和諧共生的主題。
9. 仙崎廚房主題車站〈2017〉
這是山口縣長門市的仙崎車站，由于仙崎臨近海灣，出產了許多長門市的特產，因此這個車站是以「食」為主題進行打造的。新村則人將它命名為「仙崎廚房」，但是它是個車站。
標志設計采用了一個火鍋的形象，這個想法實在是意料之外，但又在情理之中。這個鍋可以將長門市的所有特產例如河豚、秋葵等都裝在里面，讓游客最直觀地了解長門市的美味，就是這么直截了當的一個思路。沒有什么是一頓火鍋解決不了的，如果有，那就再下一盤兒河豚。
這個車站不只是名字叫廚房，它里面就是一個名副其實的廚房，你試過一下車就直入菜市場么？
這里售賣的食材不僅新鮮而且價格不貴，除了食材外，廚具、調味品和各種伴手禮也是應有盡有，廚房里能找到的一切這里都有，就差一個你帶著一張嘴。現在仙崎廚房已經成了長門市一個適合吃貨們逛吃打卡的熱門景點。
9. 布久亭〈2018〉
布久亭是一家吃河豚的店鋪，它的位置面朝關門海峽，建在了足下便能感受大海的地方。可以說是名副其實的「面朝大海，春暖花開」。
新村則人這個標志的靈感來自于被海峽的和風吹起的布簾，一進玄關，大布的門簾就被徐徐吹起迎接你，還未入座就能感受到愜意。
柔和的海風本是看不見摸不著的東西，新村則人卻假借被風吹拂的布讓你看到海風的樣子。
這個標志也只有在它真正被制作成實物的時候，你才能看到它的完全體。一片樂事。（開玩笑的，是一片海風。）
10. 瀨戶內設計大獎賽〈2019〉
瀨戶內設計大獎賽是針對山口縣小學，初中和高中學生的海報設計比賽。它由新村則人發起于2016年，目的是讓孩子們知道設計的樂趣。新村則人認為，設計感是可以從兒童時期獲得的，因此教育很重要。注重培養學生對設計的興趣和對構圖的判斷力，等到孩子們長大了，山口縣的整體審美意識將會提高，這會使整個地區興盛起來。（不知道為什么，感動得有點想哭）
2019年瀨戶內設計大獎賽的主題是「蛋」。「蛋」是生命誕生的原點，它為我們成長提供了很多能量。與此相對，「蛋」也是易碎、珍貴地培育的象征。另外，還有一層含義是這是一顆正在孵化設計師的蛋（糟糕的臺詞）。
△ 審查委員會評審現場
下面我將放出2019年的獲獎作品，分為小學組、初中組和高中組，每一組內按照一個金獎、兩個銀獎和四個銅獎的順序放出。最后還有一個山口縣知事獎，算是全場最大獎。觀看后可能會有自我懷疑等不適癥狀，請做好心理準備，或在親人陪同下觀看。
△ 小學組
就想問一下這是誰家的小學生，這小學生的構圖能力是母胎帶的么？
△ 初中組
△ 高中組
△ 山口縣知事獎-小泉知由琉，周南市立富田中學校 1年級
看完我覺得這不是設計師的蛋，這是一群破蛋而出的設計師本人。
意猶未盡么？再放幾張前三屆的獲獎作品看看。
寫了這么多案例，最令我感動的其實就是最后這一個，多年前沒人能想到在山口縣的一個小漁村里會誕生一位設計大師。而且直到今天，這位設計大師依然在展現家鄉給予他的財富，也始終不斷地在用自己的設計回饋家鄉。
看到現在，腦子里就記住一個手工狂魔。但是大家也別忘了，對于真實質感的極致追求，最終是為了更好地感染觀者，為背后的主題服務。
到目前為止，幾乎每一個案例都與自然有著或近或遠的關系，好像新村則人被我寫成了大自然的代言人，不過他也確實是。其實開頭還有提過，新村則人也在同時服務資生堂，他的作品在廣告領域的覆蓋是非常廣泛的，感興趣的可以自己去網上搜索，下面放出幾個算是彩蛋吧，展示一下我們「頂級鄉野設計師」是怎么走在時尚尖端的。
△ 資生堂廣告
△ 資生堂《花椿》封面
好了，那這一期就到這里吧~下期繼續~
△ 追加彩蛋，新村則人在自己的展覽上COSPLAY道具熊
原文：研習設
如果談到日本平面設計的高水準起源，那無疑肯定會想到“NDC”了，NDC日本設計中心由全球熟知的日本平面設計大師——策劃了“REDESIGN”與“HAPTIC”和“SENSE-WARE”展覽、無印良品的設計總監、武藏美教授原研哉先生擔任總監。
日本二戰后，平面設計這一行業剛剛嶄露頭角，起初并非那么成熟，但是隨著經濟的發展，商業對于廣告的迫切需求增大，為了推進日本設計的專業水平，幾位日本優秀的領頭設計師意識到需要聯合起來抱團推動，展示自身職業存在價值外同時推高日本本體的專業水準，從而成立了（Nippon Design Center簡“NDC”）。
在這時成立的NDC有著超凡的意義，本身NDC的初衷是為呼應日本產業的需求，實現日本廣告設計的高速發展及設計水平的高質的提升。但它的出現將當時日本平面設計界里的頂尖人物融合在了一起，從而在日本廣告界大展身手～
1963年的NDC成員合影
如今的NDC，召集了日本內最高水平的設計大師們，從廣告文案創意到攝影再到設計，為的就是展現日本的高水平設計。其中業務還不止限于平面廣告設計，如今也擴展了產品、包裝、空間、品牌、媒體、交互等等設計領域。
那這家設計公司水平有多高呢，我們從他們眾多項目中精挑出一些具有代表性的作品，下面一起來欣賞一下吧～
近期NDC成員合影
#1
無印良品食品包裝
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談起無印良品，要說它是一個品牌還不如說它是一種生活的“哲學”，無印良品追求自然，不跟隨流行趨勢與個性，也不贊同別人抬高自己，從未來的消費主義觀點來開發商品本身，“這個，就好”而不是“這個，很好”，要真正了解其中的差別可能有些困難。在后者感覺中，多多稍稍隱約藏著一些利己主義，而前者的充滿著相當自信的“這個，就好”了就是無印良品。我想，這種不追個性的個性可能有時才是一種最大也最讓人反常記起的“個性”吧
這是他們18年為無印良品更新的食品系列包裝，整個設計包括攝影都具有非常強的可視化，在視覺上，去除繁復的印刷工藝和效果，在材料上，本著尊重自然、保持產品本質的態度，盡可能不對環境造成負擔；在結構上，根據不同產品則用不同形式的紙質標簽。超強的“MUJI”純粹風格，簡約大氣的傳達了食品本身具有的魅力。
#2
FONTWORKS
VI設計
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Fontworks是一家有著25年歷史，日本頂級的字體設計公司。他們致力于探索文字形態的各種可能性，消除文字表達的種種障礙，并提供更多新意識形態的字符文化。
上面這套是他們為Fontworks公司設計的識別系統，并且還創建了一個品牌網站,該網站對待Fontworks的標語“Moji and Motto Jyuuni”比什么都重要，用16個詞來解開“Moji和更嚴肅”的字眼，不僅考慮了公司的想法，而且還嘗試將支持它們的事實（產品，服務等）聯系起來，以使它們更接近用戶。
他們還為Fontworks制作了一形象簡短的一段視頻，以便更自由、更富創意地向用戶提供他們的“Moji and Motto Juniyu”理念～
#3
第760回設計畫廊1953企劃展
POSIT もしもを置く たとえばを収める
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這是他們19年策劃的一個企畫展，這次展覽里介紹的是三澤遙的新作。在一張大板子上布滿里無數的小紙片，這些紙片又像是一個接一個的問題，集中于其中的任何一個，又連接著看出和發現新的問題的可能性。每個人都試圖通過查看他們至少接觸過一次的熟悉事物來重建新的關系。作者通過從物與物、物與空間之間，感知到的從微小細膩的視點來對新的關系進行再詮釋～
#4
2019優良設計大獎得獎作品展
展覽視覺設計
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顯示2019年Good Design Award獲獎展覽的圖形和標志設計。著眼于展示獲獎作品的價值，這個概念就是“Good Design Museum”。點綴有圖形的展廳通過網格和G標記連接。
#5
新?史前時代 100個動詞展
展覽策劃與設計
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新史前時代：100個動詞展從一般視角追溯人類的歷史，從某種程度上對我們存在的根基進行了審視，它構成了一個分水嶺，很好地傳達了米蘭三年國際展設計之后的設計的主題信息。
作為人類，我們通過使用工具發展自己的技能。同時，工具也增強了我們的欲望，因此人類的欲望史也可以看作是人類的工具史。從石器時代到今天，共有一百組工具和動詞選定進行此次的展覽。動詞表明了人類的活動，也就是說，欲望轉化成詞匯。而且，如果將工具和動詞相匹配，我們可以創建出一目了然的人類欲望史圖。人類歷史承載著一系列宗教、政治、技術和經濟的變革跡象，但在本次展覽中，編織人類故事的主線完全不予考慮。換句話說，此次展覽的目的是從一個單一的視角觀察人類的歷史，而不受到任何宗教、技術、思想、種族或其他一切的影響。
展出了由意大利建筑師Andrea Branzi和原研哉共同收集整理的代表人類欲望進化的100個動詞和物品。原研哉負責企劃、制作、展示計劃。
#p#副標題#e#
#6
MIKIMOTO
VI/Experience
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作為一個與日本人工養殖珍珠產業發展密切相連、具有厚重歷史感的珠寶品牌，Mikimoto一向精心呵護自己的傳統。但面向未來，全球化和持續創新是不可避免的挑戰。
標識被安排為具有現代性和清晰度，同時保持傳統的尊嚴。品牌顏色設置為“黃白色”，即在裝滿東西之前將其設置為“白色”，并以各種白色操作表示。傳承品牌傳統 DNA 的同時，融入新的概念、設計風格亦是品牌的發力方向之一。
#7
続々 三澤 遙
展覽策劃設計
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物質與物質、物質與環境間相互反應，產生新的現象的瞬間。如您有親臨現場，就能去感受到這事象本質從混沌的思想中破繭而出的沖擊了。
展覽展示了三澤遙設計研究室成立五年來的成果、現今致力的工作、以及對未來的展望，也可說是三澤女士多年來創作活動的展示。在展覽中將展示介紹11個項目，如探究水中生物生態環境的作品《waterscape》、探究擁有運動機能的紙張的作品《動紙》、將上野動物園鮮為人知的世界視覺化的作品《UENO PLANET》等。
三澤遙作品極其細膩柔軟，她的設計，不僅致力于解決各種課題、定義各種問題，還給人以啟發：身邊的事物可以有新的理解與鑒賞方式，蘊含著一種開辟新的可能性的力量。
#8
視點の採集
21 21 DESIGN SIGHT企劃展“蟲展-設計范本”
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視點の採集是一個以研究“昆蟲”的展覽，收集了許多不一樣的昆蟲，使您可以窺視昆蟲的多種生態。通過觀察昆蟲，我們探索了向觀眾傳達世界充滿未知事物的方法，以及我們看到的世界隨著觀點的微小變化而變化。
與其說它是一個“昆蟲展”倒不如說它是一個以“昆蟲”為媒介的視覺設計研究展覽。里面融合了許多設計手法，將昆蟲這一自然界內的元素，重新再造與審視它，提煉出更有意義的藝術展覽。
所以說，看了NDC這些設計之后，你的感想是什么，你認為什么樣的設計才算得上好設計的標準呢？在談論好設計的標準之前，我想首先要讓更多的人理解到底什么是“設計”，這樣所謂的“好設計”的標準才得以普遍性，不是所謂“看不懂，即為好設計”，在日常生活中，我們通常無意識之間會看到很多東西，而其中只有一部分東西會被我們的意識所感知而成為我們關注的對象，設計思維就是教你如何“感知你所感覺到的”，讓你在雜亂不堪的信息社會中探索、研究、整理你所可以作為設計所用的線索，并且在沉靜的視覺表現中注入情感。而這種探索、研究、整理的過程本身就是一種設計。
來源：察覺
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一說到日本設計，相信很多人的腦海中都會想到「極簡主義」，的確，日本設計總是會給人一種清新簡潔、極簡易用的印象，融合傳統的日系文化，造就出一種獨特的風格，并且傳播到世界各地，產生深遠的影響。
但是如果你認為日本設計只是極簡？那就大錯特錯了，日本設計才不止極簡呢，例如今天要給大家介紹的這位近年來日本設計界炙手可熱的新銳設計師——吉田ユニ/ Yuni Yoshida。
吉田ユニ的創作涉及廣告、 唱片封面、影像、裝幀等多元設計領域，她顛覆想象的作品總是給人帶來一種鮮明的色彩對比和神秘的藝術氛圍，尤其在海報設計方面，吉田ユニ利用大膽獨特的色彩和超現實的表現形式，呈現出不一樣的日本設計風格，而這種超現實的風格便成為了吉田ユニ的標簽。
吉田ユニ是眼下日本設計界炙手可熱的平面設計師和藝術指導，她以鮮活的色彩和具有強烈視覺沖擊的作品而聞名，是日本最受矚目的年輕女性設計師之一。就算你不知道她的名字，也一定看過她的作品：Perfume 的「Cosmic Explorer」專輯視覺設計；星野源單曲「戀」的封面； 日本話題女王渡邊直美舉辦個人展時那組火爆微博的驚艷海報……都出自吉田ユニ之手。
吉田ユニ的主要代表作包括 Laforet 原宿、野田秀樹演出的舞臺劇 THE BEE 、半神的藝術指導，木村 KAELA、Perfume、星野源的 CD 視覺設計，以及渡邊直美的藝術指導等。同時她也在時尚雜志「裝苑」上進行專欄連載，還受到 KIRIN、LOWRYS FARM 等國內外企業和品牌的青睞，邀請吉田ユニ為他們制作廣告。吉田ユニ于 2016 年獲得東京 ADC 獎。
吉田ユニ，1980年出生于東京，從初中開始就讀女子美術大學附屬中學，學習繪畫和素描，高中開始研習油畫，進入大學后開始學習設計及廣告，并對廣告業產生了濃厚的興趣。
第一次接觸平面媒體是在大學三年級的廣告課上。后來這個喜歡獨自作業的少女也并不固步自封，因為想要嘗試全新的事物，所以在就職時選擇了與大學專業完全不同的平面設計，像是一腳踏進幻想國的冒險愛麗絲。
吉田ユニ是一位年輕的設計師，所以我們沒有必要像研究老一輩設計師那樣去深挖她的經歷，與其如此還不如單刀直入，直接去了解她的作品。這里我們從吉田ユニ的作品中總結出幾個關鍵詞，下面就讓我們一窺究竟吧！（后文中的吉田ユニ我們簡稱吉田）
在吉田的作品里，Perfume、木村 KAELA、渡邊直美、Kyary Pamyu Pamyu、水原希子……每一個人在她的作品里都像被放進完全不同的維度里，展現出令人想象不到的一面。但是要說最有代表性的，還屬渡邊直美。
可能有的人不是很了解渡邊直美，她的 Instagram 關注者位居日本首位，是日本當紅的新生代搞笑女王。而吉田和超級可愛的直美是好友，也常一起合作，不論是直美的個人服裝品牌「PUNYUS」或是演唱會，都能看到吉田替直美量身打造的設計作品。
每次在做藝人宣傳企劃之前，吉田都會先與他們交流并觀察他們的個人特點，然后再思考如何最大化發揮他們的特質，最后將這些特質融入設計之中。
直美告訴吉田自己最喜歡的兩樣東西是「食物」和「時尚」，于是我們就看到了一個充滿吉田風格的渡邊直美。她將直美「重量級」的身材作為設計焦點，在表現出直美的諧星個性之外，華麗的裝飾風格配上直美認真的表情，使整體呈出一種戲劇感，同時又不失幽默滑稽的表現力。
在先前時尚雜志「裝苑」1月刊的拍攝中，渡邊直美就戴上了澎澎頭，穿上了皮草洋裝，呈現出極致的時尚感。
除此之外，吉田也利用擅長的超寫實技巧，將渡邊的雙腳化身為鮮艷的口紅、成為可口的小籠包、化身大型冰淇淋等等。
△ PUNYUS 2017 春夏系列
吉田和直美的合作還不止于此，在這之后，吉田設計的 PUNYUS 2017 春夏系列，整體的立意點定位在夏天最受歡迎的 BBQ 上，將作為代言人的渡邊直美設計成了 BBQ 烤串的形象，同時也展現了最新一季的服裝，直接讓夏季變得可視化，令人印象深刻。
這兩張海報的設計也充滿著吉田風格，在視覺上創造出高對比與超現實的視覺表現，也延續了渡邊直美個展主視覺的調性。
△ 渡邊直美全球演唱會巡演的主視覺
吉田十分執著于使用道具，通過實物拍攝來完成作品，雖然她的作品中充滿了不符合現實尺寸、漂浮在空中、變形的東西，看起來像是 CG 特效，但卻都是實物。或許正是因為堅持使用實物，使得吉田的作品雖然天馬行空，卻看上去十分自然，毫無違和感。
吉田擔任了星野源多張單曲、專輯的封面設計。星野源是日劇「逃避雖可恥但有用」的男主，這部劇的主題曲「戀」也由他演唱。隨著這部劇的爆紅，很多人對「戀」這首歌也不會陌生。
△ 星野源熱賣單曲「戀」的封面
「戀」封面運用了鮮艷的黃色，星野源的白襯衫上畫著女性手臂，仿佛被妹子拉扯一般，這張封面在當時引起了很大的關注。
△ 星野源的專輯「Yellow Dancer」封面
星野源 2015 年發售的的第四張專輯「Yellow Dancer」封面同樣由吉田設計，吉田利用各種物品建構出來的裝置藝術，就像是穿和服插著髮髻的日本傳統婦人，一眼看上去花魁的剪影，仔細觀察就會發現只是書籍盤子等家居雜貨重迭在一起。這一富有創意的設計在當時獲得很大的反響，吉田也憑借此作品獲得了2016年日本唱片封面設計大獎。
△ 「POP VIRUS」專輯封面
△ 「Family Song」專輯封面
△ 「DORAEMON」專輯封面
△ 吉田為星野源 MV 集設計的主視覺
「裝苑」是一本日本月刊女性時尚雜志，該雜志成立于 1936 年，是日本第一本時尚雜志，也是仍在出版中的最古老的日本時尚雜志。
從 2016 年起，吉田每月都會在「裝苑」的「PLAY A SENSATION」板塊連載。連載中她與許多人氣藝人合作，以其獨特的世界觀給讀者帶來了諸多驚喜。除了連載之外，吉田也擔任過「裝苑」的封面和一些特別企畫板塊的視覺設計。
「裝苑」是一本「モード系」的時尚雜志，中文翻譯過來是「摩登」的意思。「摩登」這一詞匯在國內已不常用，或許我們可以將其解釋為「超前的潮流感」，這正與吉田的世界觀相契合。
△ 吉田為「裝苑」75 周年的紀念所做的視覺設計
為紀念「裝苑」75 周年而制作的這一作品，共計使用了1300期「裝苑」。吉田分別為每冊圖書制作書皮，最終用書背將放置于書架上的1300期「裝苑」拼合成模特的肖像，然后進行印刷和拼接。吉田憑借這一巨型作品獲得了 2016 年東京 ADC 獎。
吉田的作品中常利用肢體表現，利用錯位或是加入迥然不同的元素，經過精密計算和反復試驗，創造出令人為之震撼的視覺效果。她對于實物有著異乎尋常的執著，也對實物有著獨特的運用方式和視角。
為個人展專門制作的作品，用女孩的身體來表現 26 個字母，盡管是平面的創作卻像是一場舞臺劇，有動態、肢體語言和豐富的視覺，甚至還有標點符號，很有日系的可愛風。
「用人體表現字母其實我不是第一個這么做的人，開始是覺得這樣很可愛，于是就去做了這組設計，后來再完成的過程中，我發現肢體動作的表現比我想象中還要具有戲劇感，每一個字母或符號，單獨去看它，它都可以成為一種獨立的表現。也是完成這一組設計之后，它讓我在之后的人體造型上有了更多的想法。」
△ Perfume 專輯「Cosmic Explorer」
吉田因為鮮艷獨特的作風備受時尚業界的青睞，她多次為日本的時尚百貨 LAFORET 進行視覺設計，除此之外也為其他日本海內外的百貨公司制作廣告。
△ 川上未映子書籍封面設計
為日本小說家、歌手川上未映子設計的書籍書封，將人體上下部位錯置后造成的奇幻效果，令人不得不多看兩眼。
以女性的肢體造型擺出一個衣架，掛上各式各樣的配件飾品。很難想像看似溫柔婉約的吉田會有如此瘋狂的構想，但卻在畫面呈現上卻依舊能維持舒適和諧。
吉田為「WWD」雜志所做的創意企劃，讓人氣模特中條彩未用衣著來表現 26 個字母
△ 購物中心 Laforet 2012 年圣誕活動海報
吉田非常善于運用人體的肢體動作來創造具有創意的作品，各種搞怪的姿勢和場景，帶給我們既具有現實元素同時又大開腦洞的視覺畫面。
在吉田的設計中，甚至連頭發也可以成為幾何元素，強烈的形式主義將畫面統整、歸納，由此也可以看出日式追求規律與工整的表現風格。
將頭發變成幾何元素，并利用顏色產生對稱或對比，就像是把人像丟到電腦里進行編排對齊，整體使用溫和的粉色系，展現女性甜美的一面。
吉田很在乎拍攝的主題及被攝物的結合，2013 年她為東京時尚周設計的奔馳廣告，巧妙結合了 3Ｄ 技巧，這是第一次運用車子在她的作品里，除此之外，她也將汽車以水平角度呈現，雖然很少有人這樣表現車子，但她覺得一臺行駛在墻上的車是非常有力量，而且符合時尚女人的形象。
在吉田的創作中，還有一大主題就是表現女性，也許是因為吉田本身身為女性的原因，她總是從自己的視角和對女性理解出發，為我們呈現出不一樣的女性之美與超現實的力量。
△ 小松菜奈為 Zoff 代言的廣告海報
在吉田眼中，好的作品應該「一氣呵成」，只有這樣才會帶來意料之外的結果，并讓她在創作中可以進行更深入的思考。「我擅長影像合成，但是‘一氣呵成’能讓團隊中的每個成員都更加積極地關注工作中的每個細節，而且我認為這樣拍攝出來的作品意義更深刻」。
△ Hikarie 百貨的雜志封面設計
△ 吉田為 Lumine 百貨設計的活動海報
吉田為女演員臼田麻美以「圓眼鏡里飛出的泡泡」為概念進行的拍攝，展現出麻美的不同表情。
吉田為模特玉城 tina 以「被裝飾在玻璃杯里的帕妃圣代」為主題進行的拍攝，來發掘 tina 最甜美并且最令女孩子們向往的一面。
吉田拍攝的實力女演員安藤櫻，角色多變、造型也千姿百態的安藤櫻，裸身戴上首飾，「穿」上了一件僅以首飾構成的襯衫，展現出最本質的一面。
之前我們提到過的吉田在「裝苑」上連載的專欄「PLAY A SENSATION」，每月請一位演員或者模特，演繹一組充滿玩心的照片，總會讓人發現這些明星們與平時形象完全不同的美。
擔任歌手木村 KAELA 的雜志視覺設計，人體彩繪的錯視也是吉田常用的手法之一。
△ 臺灣省百貨公司「新光三越」初夏購物節主視覺
臺灣省的新光三越也邀請過吉田為百貨公司購物季的宣傳文宣設計封面，這次合作真的讓眼睛為之一亮，通常我們拿到周年慶之類的廣告單看完資訊就會丟掉，而這充滿設計感的文宣根本意圖是讓人收藏。
肢體表現已經無法滿足吉田的創作欲望了，于是食物在她手里也創造出了驚人的視覺效果。她讓水果蔬菜、蛋糕甜品本身豐富的色彩發揮作用，這些「不會說話的」家伙似乎一瞬間也被賦予了極強的「生命感」。
與西武百貨的合作，由禮盒、盤子、假發等元素組成星際大戰里的角色。
△ 餐具和食物組成的女子
△ 華歌爾時尚內衣品牌 Ful Fru
吉田為內衣品牌 Ful Fru 所創作的系列廣告，同樣簡約的元素卻富有層次，加上強烈的色彩組合，一次表現「可口」與「美觀」的兩種感官。將水果融入時尚內衣品牌的設計，新鮮有趣又讓人看了口水直流。
在這些維度多變色彩豐富的作品背后，始終有著吉田自身的堅韌品格作為支撐。從小到大都沒什么改變的性格和行事方式，讓她在面對工作的時候也從未考慮過妥協，也不被他人的觀點所左右。一旦著手開始工作，就絕不會放手，一心不亂地朝目標前進。
然而她卻絕不冥頑固執到底，反而手腕柔軟，只要立場和想法能傳達出來，那么最終展示的成果與最開始設想的不一樣也沒有關系。
在潮水一般淹沒人類五感的廣告宣傳里，要留一份地抓住行路人的眼球實在是件難上加難的事，而吉田的平面作品卻總能跳出蕓蕓眾生，牢牢抓住人們的視線，而這一切都源于她獨特的世界觀如奇詭夢境所創造出的明艷繽紛的超現實世界。
吉田善于表現女性特質和超現實的藝術手法從來都不是割裂開來的，而是將二者巧妙的結合，于是我們就看到了大量充滿奇幻、不可思議的女性主題作品。
吉田的強烈風格和執著心到底來自哪里？她說，大概來自于她的「從一而終」。2014年舉辦個展的時候，她的小學同學來看她，跟她說「吉田和小時候一樣，一點也沒有變啊」，這應該就是最好的解釋。最后我們來看一下吉田的展覽：
吉田ユニ，一個把平面變成「戲劇舞臺」的設計師，她的設計雖然最終落于平面，卻又把不同領域的藝術融合在一起，形成了獨具特色的藝術風格。她在藝術與商業中找到完美的平衡，用屬于她自己的方式展現了日本文化的獨特性。
最后我想說的是，無論是設計領域還是其他任何行業，本無男女性別之分，只有業務能力高低之別，希望通過這篇文章對吉田ユニ這位設計師的了解，能夠對所有廣大女性設計師起到一定的激勵作用，只要你擁有高水平的設計能力，那么在未來的職業道路上相信你一定能夠大放異彩。看似我在討論性別，其本質就是拋開性別，性別之外，是設計的輝光，愿我們一起加油努力，奧利給！
原文：研習設
——日本現代設計之父 龜倉雄策
戰后日本經濟的迅速崛起，為其在世界上重塑國家形象奠定了基礎。1964年日本作為亞洲第一個舉辦奧運會的國家，首次用衛星向世界轉播了奧運會的盛況，其單純、簡約的會徽，以統一、規范、系統的形象設計瞬間展現在世界面前，不僅一掃戰爭的陰霾，重塑了嶄新的國家形象，而且在奧運會形象景觀發展的歷史上首開視覺形象系統設計的先河，成為以后數屆奧運會舉辦國效仿的典范。
(龜倉雄策1964年東京奧運會的海報設計，融合太陽初升的形態之美)
當年那些參與奧運會設計的設計師們——龜倉雄策、原弘、永井一正、田中一光、杉浦康平、勝井三雄……無不成為日本平面設計的殿堂級人物，他們的經典作品在今天看來也依然散發著令人贊嘆的光芒。常讀小察的文章的伙伴都知道，永井一正、田中一光、杉浦康平、勝井三雄…小察無不都一一介紹過了，而今天介紹的是誰呢，相信你也看到標題了。
龜倉雄策
龜倉雄策（Yusaku Kamekura），相信大家略多略少肯定聽說過，應該看得最多的就是“日本平面設計師協會（JAGDA）龜倉雄策獎”類似標題或作品，但是真正詳細介紹龜倉先生與他的設計理念的文章可能市面上偏少。沒錯，日本JAGDA是由龜倉雄策先生為首創立的日本平面設計師協會，是目前日本平面設計的最高協會，也是日本唯一的一個平面設計師的全國性組織協會～
從龜倉雄策創立的這個獎項脫穎而出讓你熟知的現代日本設計大師有哪些呢，佐藤卓、原研哉、佐藤可士和、水野學、菊地敦己、色部義昭、大黑大悟、平野篤史……
龜倉雄策先生出生于1915年，九歲時，舉家從半年都沉浸在雪白與冷冽的新潟縣搬到東京。住家對面有整片紅樹林，放眼望去，盡是朱紅。這是龜倉初見希望新天地――東京的景色，也是他設計的原點，更是他一生對家國及設計奉獻的熱情所在。
龜倉從小生活在藝術世界里，父兄與舅舅都喜愛繪畫，也四處收購畫作。初二時，龜倉沒能通過中學考試，被父親要求退學，幸運地與鄰居三浦逸雄(第一書房綜合雜志《Le Serpent》的總編輯)成為忘年之交，三浦帶領他進入文學、電影、音樂等世界，與精通法國文學的小松清、俄國文學的中山省太郎、畫家海老原喜之助、藝評家柳亮等人認識，為龜倉的藝術涵養打下基底。年紀輕輕就為《Le Serpent》雜志畫插畫、寫影評，還考進日本第一家制作公司「共同廣告事務所」，第一次設計的裝幀書籍就是圣修伯里的《夜間飛行》。
當龜倉看到小津安二郎《大小姐》的電影海報時，非常崇拜河野鷹思，而且立志成為「圖案師」。
十九歲時，在一家舊書店看到一本包豪斯圖錄，十分著迷，被由直線與曲線構成的世界深深吸引。二十歲時，毅然前往由日本知名建筑師川喜田煉七郎，師法德國威瑪包浩斯學校所創辦的新建筑工藝學院。
二戰期間，攝影家名取洋之助成立日本工房，找來山名文夫和河野鷹思兩大招牌，創辦當時向國際宣揚日本的海外雜志《NIPPON》。龜倉經由攝影家好友土門拳的引介和該雜志展開合作，大膽運用影像、蒙太奇等藝術手法，將它變身為與國際接軌的高水準刊物。
同期間，龜倉也學到名取以「紀實照片拼貼」手法，呈現編輯風格的獨特絕活。原本要展現在《NIPPON》東京奧運特輯上，但因政府決定交回第十二屆東奧主辦權而停擺，讓他喪失與河野制作的柏林特輯較勁的機會。
為了向世人傳達為每日生活引進美好事物非常重要、發掘年輕新銳設計師，以及提升日本廣告設計水準，龜倉雄策和原弘等人在1951年成立日本宣傳美術會(簡稱日宣美)。六十年代，尼康相機的市占率很低，日本光學公司找來龜倉代言改造，不但扭轉頹勢，他設計的Nikon SP相機海報，還被德國設計家Will Burtin看中，開啟龜倉與國際的連結。日本戰敗后急于從衰敗中奮起，重新踏上國際舞臺，在行銷策略聯盟抵抗外資的號召下，龜倉在1960年組建日本設計中心，結集全國優秀廣告人才，開啟設計師的專業地位；兩年后設立龜倉設計研究所，成為自由設計家。
成長于二戰的龜倉，是日本第一代平面設計師奠基人，受西方現代主義影響，作品中透露極強的現代性，但又不失日本傳統美學的象征性與簡潔性。1964年，日本終于爭取到抓住世人注目的強國機會――東京奧運，龜倉領軍的團隊，設計日本國旗從金色奧運五環托起的奧運系列海報造成轟動，不僅使日本在世界平面設計舞臺上嶄露頭角，也捲動日本經濟快速發展。國寶級藝術大師橫尾忠贊譽「這充滿張力的海報是成就戰后現代主義的巔峰杰作」。
此系列作品獲得當年國際米蘭海報設計大獎，從海報文宣、工作手冊、指示牌到證書紀念品，龜倉設計的整套識別系統，成為奧運史上的典范。那面朱紅記憶的旗幟，在活動落幕后，仍持續屹立在每個人心中。
龜倉將日本特有家徽做為一種視覺語言，貫穿在海報中，展現大和民族特有的文化，從1970年他為大坂世界博覽會設計的海報中可見端倪。無論精神內涵還是形式表現，龜倉都走在日本平面設計的前端，深深地影響日本乃至世界的設計風格。1978年，龜倉擔任日本平面設計師協會(JAGDA)會長，推動日本成為設計大國。除設計海報、標志、攝影、雜志、書籍裝幀之外，也涉及雕塑、公共藝術等其他設計領域，晚年亦擔任《CREATION》設計雜志主編，堪稱現代日本設計的創始者。
（JAGDA官方）
在龜倉先生的海報中，我們常常能尋找到日本傳統文化的影子，他深刻地認識到傳統的圖形、色彩在海報中的運用能增強整個民族的認同感，結合西方的構成方法能達到了民族與國際的統一。
在圖形方面，日本特有的家徽符號在海報中的大量運用成為龜倉雄策的重要特征，家徽能反映日本民族特有的文化心理和處事方式，且具有較強的簡潔性與象征性，他把家徽作為一種視覺語言貫穿于海報之中，無疑是要把大和民族的文化特色展現出來。
在色彩方面，龜倉雄策繼承日本的傳統色彩，并受到浮世繪的影響。在他的海報中多以紅色、黑色、白色和金色為主要顏色，以平和的心態崇尚自然色彩，他注重自然與生命之間的關系，從他作品的色彩中能感受到他對大自然的熱愛，從而體現生活與自然的融合。
「現在，我們正在龜倉雄策設計的道路上做設計」 一一佐藤可士和
他一生獲獎無數：曾多次榮獲華沙國際海報雙年展的金獎、銀獎、藝術獎、特別獎；布爾諾國際平面藝術雙年展銀獎、銅獎；芬蘭拉赫蒂國際海報雙年展大獎；1982年紫綬褒章；1988年勳三等瑞寶章；1991年個人文化勳章；1994年獲得《CREATION》雜志授予的每日設計大獎特別賞與東京ADC會員賞，同年華沙美術學院授予榮譽博士。龜倉辭世后，JAGDA為向他致敬，在1999年特別設立日本設計最高獎——龜倉雄策獎，田中一光、永井一正、勝井三雄、淺葉克己、原研哉、佐藤可士和、佐藤卓、葛西薰、三木健等人都曾榮獲。佐藤可士便曾說「現在，我們正在龜倉雄策設計的道路上做設計」。
日本歷史上的大事，幕后總能見到龜倉的身影。他認為「國家治理與企業經營都必須和設計一體化」。國家和企業都有其根本的理念，以及奠基于該理念之上的策略。而為了體現這些理念與策略所付諸的行為，就是國家治理，就是企業經營。設計也是同樣道理。面對每個重大事件，他的思想、表現和行動，究竟是如何形成的 ?這里推薦一本書。
（朱紅的記憶－龜倉雄策傳）
龜倉雄策的開拓創新精神用自身的行動打破對于設計的既成概念，建立起設計行業的根基，在30年代對于設計師的職能和可能性的定義，也沿用至今。
龜倉雄策后續其他作品
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龜倉雄策的設計作品，簡潔而不失豐富，細致而不失大氣，他的設計理念及創新精神，對日本平面設計的后起設計師，有著不可忽視的影響力，他為日本的現代設計搭筑了一條向世界級高峰攀登的階梯，在他之后，日本一批批著名的、具有國際影響力的設計大師紛至沓來，終于使日本平面設計成為一支世界現代設計領域中具有強大影響力的重要生力軍。
參考文獻：
《朱の記憶》 亀倉雄策伝
《戰后日本設計史》（戦後日本デザイン史）
《日宣美：他們如何用設計，開啟日本的復興》（知日）
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只為讀者學習整理，侵刪！
來源：察覺
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一說到日本設計師，相信很多朋友都能隨口說出幾個大師的名字，但是今天要介紹的這位設計師，知道或者熟悉他的人應該不多，包括網絡上關于他的資料和信息也是少之又少，這個人就是被譽為日本設計界的「色彩魔法師」——佐藤晃一。
佐藤晃一是個人比較喜歡的一位設計師，喜歡他的原因有很多，比如他的設計表達簡潔洗練，沒有多余的元素，造型偏抽象幾何形，善于運用補色以及漸變暈化效果，與禪宗的虛無意境十分接近，結合留白的表現手法，彷如禪宗的陰翳之美。下面就帶大家去認識一下佐藤晃一吧！
佐藤晃一的宇宙虛空
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1944 年，佐藤晃一出生在日本群馬縣高崎市，父親曾是日本廣播協會 NHK 的一名電氣工程師，母親是一名小學老師。17 歲時佐藤晃一決心要成為一名平面設計師，于是他開始自學，那時候他比較多地臨摹馬克思·比爾的作品，對于他后來的設計道路有著重要影響。可見任何偉大的設計師起初都有模仿的對象。
馬克思·比爾：20 年代末新平面設計的核心人物，康定斯基具體繪畫的繼承者和推動者，構成主義的領導者，瑞士最為著名的建筑師和產品設計師。
1965 年，21 歲的佐藤晃一考入東京藝術大學工藝美術系視覺藝術設計專業，開始接受正規的設計學習。期間曾在田中一光事務所實習，成為田中一光的助手，因此田中一光的設計理念對他有很大影響，尤其是對于事物的認知以及設計的表現形式。但佐藤晃一并沒有模仿田中一光的設計手法，而是從新的角度，結合了日本傳統美學進行創作。
1969 年，25 歲的佐藤晃一大學畢業，畢業后進入日本著名化妝品企業資生堂廣告宣傳部，兩年后結婚同時辭去了資生堂的工作，成為一名獨立設計師。在廣告設計公司的兩年設計經驗，為佐藤晃一的設計打下了堅實基礎。
1974 年，30 歲的佐藤晃一被東京 YMCA 設計研究所聘為講師，此后在 1982 年至 1987 年期間在東京藝術大學視覺設計專業任教，1995 年至 2015 年于多摩美術大學任教。
Koichi Sato. Agamemnon. 1972
1989年佐藤晃一赴美國斯坦福特大學、馬歇爾大學和奧哈大學做演講，1997年當選德國哈德巴萬國博覽會的日本代表，1999年任靜岡縣「世界茶葉節」的企業形象策劃總設計。日本平面設計家理事、東京ADC會員。
獲得獎項
東京 ADC 最高獎·布爾諾圖形設計獎·華沙招貼海報獎·捷克海報設計獎·莫斯科招貼設計獎等等
下面一起來鑒賞下佐藤先生的作品～
Koichi Sato. New Music Media, New Magic Media. 1974
1974 年，得益于日本印刷技術的發展，佐藤晃一迎來了自己的成名作《新音樂媒體》。這幅作品采用攝影技術與噴筆繪制手段創作，將圖片的邊緣羽化處理，黑色器皿中的藍色水面與魚的呼應，給人一種魔幻的視覺感受，而這正恰恰與這幅招貼的主題「新音樂媒體，新魔法媒體」緊密的聯系在一起。
Koichi Sato. Sakurahime Azuma Bunsho. 1976
Koichi Sato. Shino-Dan- Kono Yoh Ni Watachi Wa Kiita. 1976
Koichi Sato. Super School. 1981
Koichi Sato. Conversation With Landscape. 1982
Koichi Sato. Gakuya. 1983
Koichi Sato. Kinkaku Enjo. 1983
佐藤先生對日本的禪宗哲學情有獨鐘，他的作品也具有強烈的日本禪宗思想，強調清靜無為、樸實無華，自我修養，是智慧、純凈、簡約、空寂、空幽等多種美詞的代表。他的招貼與其說是商業海報，倒不如說是日本文化和日本禪宗精神的視覺載體。
Koichi Sato. Morisawa and Company, Ltd. 1983
Koichi Sato. Promotional Poster for a Group of Flower Arrangers. 1985
Koichi Sato. Dress of Japan "Seisei-an". 1987
Koichi Sato. The Modern Poster, The Museum of Modern Art, New York. 1988
Koichi Sato. Soap Bubbles Floated, They Floated Into Outer Space. 1989
Koichi Sato. World Design Expo. 1989
Koichi Sato. Urban Design Seminar, Twenty-first Century Urban Design. 1992
Koichi Sato. Zen. 1992
從對空空如也的盒子的探索開始，佐藤晃一找到了自己的設計節奏，在那虛空的盒子里仿佛有著一種不可知的東西，這種漸變的宇宙虛空，給人以無限遐想與可能。
Koichi Sato. Poster Celebrating 10th Anniversary of Tategumi Yokogumi Magazine. 1993
Koichi Sato. Plakate aus Japan, Museum fur Gestaltung Zurich. 1993
Koichi Sato. Illustration Yokohama Competition. 2000
Koichi Sato. Tama Art University Doctoral Program Graduation Exhibition.2006
佐藤晃一的招貼作品并沒有強烈的技術痕跡和冷漠，但卻具有很強的現代感，同時又將日本傳統繪畫的禪意風格融合在圖形設計中。
Sato Koichi. Poster Exhibition. 2011
Sato, Koichi. Tama Art University Doctoral Program Graduation Exhibition. 2014
佐藤晃一是雙腳踏在日本傳統文化的延長線上，繼田中一光等老一代平面設計師之后走上設計舞臺的新一代平面設計師。在色彩、形體與光三者的關系中尋求平衡，既不完全歸入西方古典的光線照射法，也不歸入東方傳統的幾乎拋盡光源，只求色彩與體積的表現法，而是把裝飾色彩、變形形體和折中了古典派和印象派的光表現在色漸變手法中融為一體。
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永井一正，日本平面設計代表性人物，從戰后日宣美的成立，到日本平面設計漸漸被大眾接受并在日本經濟騰飛中扮演了重要角色，他見證了日本平面設計的發展與變遷。今年91歲的他依然活躍在設計現場，從早期的抽象到近年的具象，他的作品實現了大膽的轉換。他在東京銀座平面設計畫廊舉辦了Life系列作品展，也在富山縣立近代美術館舉辦有大規模個展“永井一正 POSTER LIFE”。
他是日本平面設計協會（JAGDA）、日本設計中心（NDC）的最高顧問，也是札幌冬奧會會徽、東京電力、日清食品、JR、世界設計博覽會、《河北新報》的標志的設計者，他還是日宣美最初的一批會員。1960年與龜倉雄策等日本設計界前輩一起參與了日本設計中心的創立。
去年， JAGDA 公布了年度獎以及年度新人獎。其中永井一正老師的「LIFE」海報，已經連續2屆獲得JAGDA年度海報設計獎。
「LIFE」海報
「LIFE」海報極具標志性的海報表現手法，充滿活力的形象，給人以深刻的印象，已經成了一種標識，幾乎不用看作者名字就知是出自永井老師的作品。
關注過2018 JAGDA的設計師們，應該對上面這個紅色毛茸茸生物形象有印象，這海報獲得2018 JAGDA 年度海報設計獎項。
這種像是孩子用蠟筆涂鴉的畫風，像極動物們充滿活力的樣子，讓人想到宮崎駿筆下的煤球精靈，看著海報就能感受到生命的力量。
©東京國立現代美術館
「LIFE」系列是他從1992年開始創作的，與之后創作的「SAVE NATUREL」系列（1995）、「SAVE」系列（1998）一樣，以動物為主題，表達了他的宇宙觀。看他的作品時，我們可以換一個角度，即站在動物的立場，我們就會發現動物也和人一樣擁有自己的宇宙，地球上生物都有共通的東西，就像下水道連接著地下水一樣，那就是生命。
永井一正在多次的采訪或演講中都表達過希望“代替無聲的動物與植物向人類控訴”，在人類文明高度發達的今天，他希望通過平面設計喚醒人類的本能，認識到所有生物都是一個共同體。
設計力量讓人覺醒
1929年出生的永井老師，今年已91歲，作為日本設計中心（Nippon Design Center）的最高顧問，至今已經參與制作了超過1000張海報。他的海報風格并不是一成不變的， 他的每一次風格的演變，都是緊跟時代發展的。
01
20世紀60年代-70年代
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（1960的尼康相機海報）
（1961年“Good Design”展覽海報）©蘇黎世設計博物館
（1966年為TIME LIFE公司所創作的《生命科學圖書館》的系列海報）
（1968年Ichibankan畫廊舉行的永井展海報）©紐約現代藝術博物館
（1969年在今井畫廊舉行的永井一正展覽海報）©紐約現代藝術博物館
（1974年東京Lilycolor有限公司的海報）©DNP文化促進基金會
（1975年東京Kazumasa Nagai展覽海報）©DNP文化促進基金會
你會發現永井一正老師的作品通常是手工制作，用絲網印刷。這樣的作品更接近藝術，而不是通常理解的純粹的設計。因為受到龜倉雄策抽象構成思維影響，海報多呈幾何抽象風格。
02
80年代中-90年代末
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（1989年富山現代藝術博物館海報）©DNP文化促進基金會
（1987-1989年 2017藝術家權利協會（ARS））©Sottsass Associati
（1994年東京上野動物園的海報）©DNP文化促進基金會
80年代中至90年代逐漸轉向具有東方傳統美學與現代設計相結合的意象手繪風格，常常用有吉祥寓意的動物、植物圖形作為畫面主體進行創作。
03
本世紀初
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（2007年東京CS設計獎海報）©DNP文化促進基金會
（1993年“LIFE”系列海報）©DNP文化促進基金會
2014年，三宅一生為永井一正的Pleats Please品牌創作了一系列服裝和配飾，其靈感來自1993年繪制的“LIFE”系列海報中的五種風格化動物的主題。
這一時期，永井一正老師將更多情感注入在「LIFE」系列海報，詮釋關于生命、生活、生物等話題。
由于現代文明的發展，造成自然生態環境的破壞，受到日本自古以來便留傳的“人與動、植物皆生而平等”共生、共榮思想，1987年左右永井先生開始興起將自然界的動物，從具象形態轉化為抽象重大轉變；從60年代初冷澀的抽象構成，極為個人化的呈現理性意念，突然轉換成具象且精致的點描手繪，這樣的巨變即連一路相偕走過“日宣美展”的橫尾忠則也極為詫異。
04
下面是這時期永井一正「LIFE」系列海報其他作品
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「LIFE」系列海報
初期追求抽象性的設計，之后由于體認到日本的平面設計有一天勢必要通過設計這個管道向世界發聲，對傳統解體的再認識，也必須思索現代視覺新構成的必要性。透過這樣的自覺，我們可以看出在表現技法中大部分仍保有日本江戶時期“浮世繪”版畫的平涂效果，并不追求立體陰影層次；藉由散步時天馬行空思考所浮現的創意造形，歷經醞釀、發想、草圖、組合，以致于定案成型，從其使用于海報的動物象征化發想實驗過程，可以看出對于一個出身于傳統廣告行業的設計者，即使僅僅是部份細微的毛、線手繪描寫，也時時講究絹印之后可能呈現的效果，關心是否完整表達了所要彰顯的意圖。
05
后續其他海報作品
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©永井老師海報集
從永井先生的作品中可以察覺：微視的圖像表現背后隱喻的巨視意涵，即便是深埋在作品中的細點、細線與裝飾符號，處處都流瀉出作者內心洶涌澎湃的情感，無須使用繁復的色彩，而以沉默、單純的點、線交織更讓人沉思的重要意念——這些作品中，非僅單純停留在動物的描繪而已，其中還加入了自然界的日月星辰、植物、昆蟲、蔬果……等，藉由極為單純的手繪線條與細密交織的點描，每一次伴隨著畫者的呼吸，隱然與大自然的廣大生命共舞，貼近自然界單純且更為真實的脈動。
據了解，目前日本八十歲以上還奮斗在設計一線的著名設計師最少還有100位以上。包括近年新出爐的日本2020年東京奧運會競技圖標設計，設計師廣村正彰也已是66歲。本是已到可以退休安享晚年的他們，還這么依舊創作精力極其旺盛，是什么讓他們這樣的年紀還忙活于設計呢？除了熱愛，大家覺得是什么呢？
原文：察覺
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